Pasado para la identidad

Teatro Pregones con The Harlem Hellfighters on a Latino Beat completa la trilogía que inició con La rosa roja y continuó con Aloha Boricua. Las tres piezas tienen elementos estéticos comunes: incorporación de música en vivo, exploración del movimiento escénico y elencos de actores comprometidos. También es relevante otro elemento común: la historia.

Hurgar en la memoria es un acto necesario en culturas dominadas. Una cultura colonizada, supuestamente carente de pasado, de historia y sin memoria, será llevada a asumir el punto de vista dominante. El proyecto de Pregones escarba en la historia paralela y marginada, la historia nuestra: puertorriqueña y latinoamericana de Nueva York.

Con The Harlem Hellfighters on a Latino Beat, Rosalba Rolón trae acontecimientos poco conocidos. Durante la primera guerra mundial, la mejor banda del ejército norteamericano estuvo integrada por músicos afro-americanos y puertorriqueños. Si los músicos en Norteamérica son segregados, en Francia se reconoce el talento del colectivo. La música es el campo de encuentro entre dos grupos que necesariamente han de poner de su parte para funcionar.

En el entramado hay otra historia: la de Victoria Hernández. Victoria, pianista y aficionada a la música clásica abre la primera tienda de música puertorriqueña en Nueva York y es figura importante para algunos músicos de la banda, una vez desaparecido Europe. Aparte de ciertas similitudes en la funciones de la autora-directora y el personaje, éste plantea un elemento feminista en el argumento.

El montaje alcanza un alto nivel, gracias al trabajo de equipo. Es un elenco homogéneo y que disfruta de los retos. Cabe hablar de Danny Rivera quien pone en función del personaje sus recursos actorales y su experiencia. Junto a él están Shadia Almasri, Otis Cotton, Yaraní del Valle Piñero, Jesús Martínez, Omar Pérez y Antonio Vargas.

El conjunto musical, bajo la conducción de Desmar Guevara e integrado por Konrad Adderley, Anthony Carrillo, Joel Mateo, Steve Oquendo, Alberto Toro, Bruce Harris y Papo Vásquez conduce a los espectadores por un recorrido a comienzos del siglo XX.

Los hechos tienen un peso contemporáneo. Los “fantasmas,” como son llamados en la pieza, muestran que a pesar de las diferencias culturales, se puede interactuar y alcanzar objetivos. Además, sienta el enunciado que debemos revisar nuestros logros y desaciertos como comunidad.

Pragmáticas y románticas

El Festival Venezolanos en Nueva York presentó en el Repertorio Español el viernes 5 y el sábado 6 de noviembre, en doble tanda, los unipersonales Mi marido es un cornudo y El aplauso va por dentro. Dos figuras de la actuación en Venezuela, Elba Escobar y Mimí Lazo, dieron perspectivas diferentes, y hasta opuestas, sobre el mismo tema: la infidelidad conyugal.

Al ver las piezas una tras otra el espectador se da cuenta de aspectos comunes. El primero es que los personajes son mujeres en un mundo competitivo que luchan en el contexto profesional. Ellas se ríen de sí mismas, de sus obstáculos y constantemente diseñan estrategias para lograr sus objetivos.

Los textos son sobre mujeres venezolanas de la clase media con trabajos estables. Para ellas, la economía da uno que otro dolor de cabeza, la política pasa a segundo plano: lo relevante es alcanzar la plenitud emocional de una u otra manera.

Tanto Elizabeth Fuentes como Mónica Montañés son periodistas de profesión. Han aprovechado el oficio de la noticia para contar historias; utilizan la escena como medio para brindar aspectos sobre la realidad.

Bajo el comercial título de Mi marido es un cornudo, Elizabeth Fuentes muestra un ángulo diferente de las relaciones de pareja. Las mujeres pueden ser infieles. Como los hombres, pueden ser cazadoras. Como los hombres, diseñan estrategias para lograr sus objetivos sin que el otro se dé cuenta. Todo esto lo comprueba el personaje, una periodista que tiene la asignación de escribir un artículo sobre la infidelidad femenina. Para tener datos de primera mano, sigue los coqueteos iniciados por un compañero de redacción.

El trabajo, además de ser humorístico, contiene datos interesantes. El porcentaje de féminas infieles es elevado a diferencia de lo que convencionalmente se cree. Para el hombre, el encuentro extra-marital no crea lazos afectivos, mientras que la mujer tiende a enamorarse del amante. Sin duda, el dato relevante es que el 62% de las mujeres venezolanas son cabeza de familia.

Elba Escobar es una actriz de grandes recursos. Su capacidad actoral atrapa al espectador y lo conduce por esa historia poco conocida. Elba realiza impresionantes transiciones para recrear las diversas voces y momentos del monólogo. Además, en Mi marido es un cornudo hace uso de experiencia como cantante de baladas y boleros.

Por su parte, el texto de Mónica Montañés, estrenado en 1996, es la historia de Valeria, divorciada, cabeza de familia, que encuentra –una vez más- al hombre diferente, a ése que no es como los demás. El día que cumple cuarenta años, Valeria va al gimnasio para comenzar sus clases de aeróbicos ya que la competencia es fuerte: no sólo sus contemporáneas, también las jovencitas andan tras las potenciales parejas. Al final, el novio embarca a Valeria porque tiene que cumplir con su esposa. A la cuarentona le da una crisis que la lleva a apreciarse a sí misma.

Montañés creó un personaje que representa a las mujeres que han asumido los códigos dominantes sobre la mujer femenina y bombardeados por diversos medios como el folletín televisivo: el cuidado de la belleza, la actitud pasiva, el hombre como conductor de sus vidas. Valeria comenta que las mujeres se someten al rigor de las dietas, de los tacones, de la depilación, del vestir para cazar hombres que pueden ser calvos, barrigones o enanos.

En El aplauso va por dentro, Mimí Lazo interpreta a la profesional exitosa en cuyo círculo íntimo es abusada verbal y psicológicamente no sólo por el exmarido sino también por el padre, quien dice que ella tiene un güevonómetro, o una pésima capacidad para seleccionar. Mimí hace un trabajo basado en lo físico: si Elba canta, Mimí baila y constantemente ejercitándose en la pieza. Catorce años con la obra hace que la actriz la enriquezca con diversos giros o expresiones.

Propuestas como la de Fuentes y Montañes, toman el pulso a la dinámica social, en específico a las relaciones de pareja, brindando alternativas a la escena. Viendo que los dos montajes se complementan, también es válido preguntar qué sucede con la violencia doméstica. Es válido preguntar qué actitud asumen los doscientos maridos venezolanos que mensualmente, según Mi marido es un cornudo, contratan detectives para que sigan a las presuntas infieles.

Scaramouches Teatro y Mi bebé es un héroe

A propósito del Venezuelan in NYC Festival, el grupo Scaramouches presenta Mi bebé es un héroe en el Repertorio Español.

Mi bebé es un héroe es una historia llena de colorido, risas y entretenimiento. La pieza atrapa la atención de los niños de principio a fin, enseñándoles la importancia del amor y el valor por la familia.

El príncipe Azulito, junto a la Princesa Perlita, esperan la llegada de su primer bebé. Están felices por ello y además porque han comprado Rayo Veloz el caballo más rápido del mundo. La alegría puede desaparecer con la aparición del malvado y travieso Cuchiflín, que con su mascota Serpentina, pretende robar el bebé de Azulito. Con la ayuda de los niños y el ingenio de Azulito se arma un plan que hace que el Bebé impida que Cuchiflín se salga con la suya. De esta manera, el bebé se convierte en el héroe de la historia.

Scaramouches Teatro fue creado en el año 1995, en Valencia, Venezuela por Eduardo Navas y Gredivel Vásquez, quienes se formaron con el Grupo Arlequín, con Dorso Teatro con Jacqueline Briceño y fuimos parte de la Compañía de Teatro Infantil de Carabobo, Eduardo Di Mauro de Teatro Tempo y Daniel Di Mauro de Títeres la Pareja Venezuela. Desde entonces su misión es desarrollar actividades teatrales de calidad, tanto para niños como para adultos. Con el programa El Teatro visita tu escuela, generaron una respuesta a la necesidad de llevar el arte a los centros educacionales, con obras de teatro para niños y de títeres dejando un mensaje positivo que ayude en la formación integral de niño.

El grupo decide probar suerte y llega a Nueva York en el año 2000. En el proceso, reciben ayuda de personalidades del medio como Miriam Colón y Manuel Morán. Gilberto Zaldívar, René Buch y Robert Federico del Repertorio Español los apoyan para continuar con este proyecto teatral.

Mi bebé es un héroe. Escrita y dirigida por Eduardo Navas. Diseño y realización de títeres: Eduardo Navas. Diseño y realización de Vestuario: Raquel Pérez. Manipulación de los títeres Eduardo Navas y Gredivel Vásquez. Repertorio Español: sábado 6 y sábado 13 de noviembre, 12:00pm. Repertorio Español: 138 Este de la Calle 27, Manhattan. (212) 225-9999.

Fotos: Michael Palma.

Les histories prohibíes de Marta Veneranda

El viernes 15 de octubre, en el Centro Español, 239 Oeste de la Calle 14 en Manhattan, se presentó el libro Les histories prohibíes de Marta Veneranda con una lectura y conversación con su autora Sonia Rivera-Valdés y la traductora Paquita Suárez Coalla.

Escrito originalmente en castellano y ganador del Premio Casa de las Américas en 1997, Las historias prohibidas de Marta Veneranda se compone de diez relatos. En ellos aparecen diversos aspectos de la vida íntima de inmigrantes latinos en Nueva York.

Sonia Rivera-Valdés, quien es profesora de español en York College de CUNY, señala que “Marta Veneranda es el personaje al que todos les cuentan, en situaciones límites, esas historias que ella define como prohibidas”.

Para Rivera-Valdés, hay paralelos entre autores asturianos y autores hispanos ya que están: “con la defensa del asturiano como una lengua de minorías en España, como nosotros con la defensa del español aquí en Nueva York”.

La traductora Paquita Suárez Coalla, quien además es profesora en el Colegio Comunitario del Condado de Manhattan de CUNY, señala que el asturiano es “una lengua romance que ha tenido la poca fortuna de no ser reconocida como lengua”.

Suárez Coalla comenta Las historias prohibidas de Marta Veneranda es un texto muy cercano a ella. En Nueva York conoció el libro que la influenció porque a través de él “me di cuenta de que había otros modelos de literatura muy diferentes a los que nos habían dicho que era lo literario”. El resultado: el rescate de las voces de las mujeres del campo asturiano escuchadas en su infancia y recogidas en su publicación Para que no se me olvide.

“En el año 2001 empecé a traducir al asturiano Les histories prohibíes de Marta Veneranda; era una manera diferente de seguir en contacto con la lengua. Empecé a hacerlo poco a poco porque no tenía el tiempo para dedicarme completamente a la traducción”.

La presentación fue organizada por Latino Artists Round Table y por María Martín, del Centro Español.

Foto de Jacqueline Herranz: Sonia Rivera-Valdés y Paquita Suárez Coalla.

El FITO y sus 35 años

Hasta el viernes 22 de octubre se realiza el Festival Internacional de Teatro de Oriente (FITO) en Barcelona y Puerto La Cruz así como en veinte comunidades de la zona norte del estado Anzoátegui.

Desde hace treinta y cinco años el Festival se realiza sin interrupción, lo que es un éxito en un contexto donde son tradicionales el olvido y el desdén. Esa continuidad se debe a un equipo encabezado por Kiddio España y Giudita Gasparini que ha trabajado duro para que el festival forme parte de la cultura urbana de Barcelona y Puerto La Cruz. Producciones, talleres y foros han sido posibles gracias al festival. Hay que señalar que en ediciones pasadas, de Nueva York han participado producciones hispanas como Aviones de papel de Diana Chery o Golondrina, de Aminta de Lara.

En este encuentro el teatro venezolano está representado por agrupaciones de distintos estados: el Centro Internacional del Nuevo Teatro, de Nueva Esparta; la Fundación Labrecha, de Monagas; la Fundación Arteu del Distrito Capital; Valencia Danza Contemporánea de Carabobo.

Se presentan grupos de arraigada trayectoria como la Fundación La Barraca, el Teatro Estable de Barcelona y el Teatro Universitario de la UCV. Otras agrupaciones son: el Centro de Actividades Alternas del Distrito Capital; el grupo de zanqueros Equilibrio, estado Bolívar; Charlot Teatro Muñecos, del estado Zulia.

Agrupaciones representativas del estado Anzoátegui son La Puerta, Laboratorio Teatral; Puertoteatro; Taller de Teatro Permanente Fundesba; Pandilla Teatro y el Teatro Universitario de la UDO, Núcleo Anzoátegui.

Además participan cuatro compañías internacionales. De Holanda llega Ezequiel Sanucci Contemporary Tango con Tango Permiso de Residencia. De una investigación coreográfica surgió Tango Permiso de residencia, que trata sobre el amor intercultural y en la que se fusiona el tango, la danza contemporánea, el teatro y el video. La pieza realizará una gira por Venezuela, México y Argentina.

De España se presenta el grupo La Atalaya de Ricardo Iniesta con Divinas Palabras. La pieza, dirigida por Ricardo Iniesta, está considerada como una de las más eficaces interpretaciones del texto de Valle Inclán por el dinamismo de la puesta en escena, el tratamiento expresionista de los personajes y el trabajo coral de los actores.

Luis Garván, director de origen venezolano radicado en España , junto a su agrupación El Globo Teatro, presenta Chat, de Gustavo Ott, texto que habla sobre los límites entre la realidad real y la virtual.

La agrupación chilena Nina Chiara, creada y dirigida por Christian Pino, presenta Memoria al fuego, obra que según su creador: “Es un humilde homenaje a esas personas que Chile ha olvidado, a los familiares que aún esperan a sus seres amados; un pequeño recuerdo para que las nuevas generaciones sepan que hubo un tiempo gris en Chile, mi país”.

Información adicional: Sala Jesús Márquez de Fundesba, Barcelona.

Fotos: Chat, de Gustavo Ott. El Globo Teatro.

Con sabor venezolano

Del lunes 1 al viernes 12 de noviembre se presenta en Manhattan el Venezuelans in NYC Festival. El encuentro reúne a un grupo de músicos, teatreros y artistas plásticos del país sudamericano.

La muestra es organizada por el Centro de Directores para el Nuevo Teatro, Ishow NY Productions, Palo de Agua Producciones, Fractal Studio y New Latin Scene Theatre Project. Según el director Marcos Purroy, se pretende crear una vitrina para el arte venezolano en la ciudad. Agrega el director que la convocatoria para esta edición se ha limitado a venezolanos residenciados o con alguna conexión con Nueva York.

Desde finales de los años noventa, el Centro de Directores para el Nuevo Teatro ha desarrollado actividades para promover autores venezolanos. Al inicio fueron muestras de lecturas dramatizadas. El esfuerzo influyó para que al menos una pieza fuese producida en Nueva York: Habitantes del fin de los tiempos, de Jhonny Gavlosky, de la cual se realizó una temporada en el Teatro LaTea.

Más de una década después, los organizadores van más allá e incorporan otras disciplinas como la música. En el festival se contempla la realización de tres conciertos: uno del pianista Leopoldo Betancourt el lunes y el martes 2 de noviembre en Repertorio Español. C4 Trío y Zumbatrés se presentan en el Taller Latinoamericano el viernes 5; en ese espacio se presenta Aquiles Báez el 12 de noviembre. En artes plásticas se podrán apreciar los trabajos de Lucía Vera, Alejandra Allegret y Andreína Mujica en el Consulado de Venezuela.

En cuanto a lecturas dramatizadas, Los Navegaos de Isaac Chocrón y Proyecto Laramie: diez años después, de Moisés Kaufman, bajo la dirección de Michel Hausmann, serán leídas el lunes 1 y el miércoles 3 respectivamente. El lunes 8, Gregor Mac Gregor, Rey de los Mosquitos, de Lupe Geherenbeck, será leída bajo dirección de su autora; estas actividades se realizarán en el Repertorio Español. En el Taller Latinoamericano se realizará la lectura de Diógenes, de Javier Vidal el jueves 4, mientras que Casting Express de Marcos Purroy será leída en el Lee Strasberg Studio el sábado 6 de noviembre.

Respecto a producciones, el viernes 5, Mimí Lazo vuelve con El aplauso va por dentro, de Mónica Montañés con el que ha realizado más de tres mil quinientas funciones. Luis Fernández, quien se dio a conocer por su trabajo en Las quiero a las dos, presenta su unipersonal No eres tú soy yo el viernes 5 y el sábado 6. Elba Escobar se presenta con Mi marido es un cornudo, de Elizabeth Fuentes el sábado 6 y el domingo 7. Las piezas se presentan en el Repertorio Español.

El encuentro continúa con trabajos de venezolanos residenciados en Nueva York. El grupo Scaramouches, de Eduardo Navas y Gredivel Vásquez, representará el sábado 6 una pieza para niños en el Repertorio Español. Mi audición para Almodóvar, de Alberto Ferreras, podrá ser vista el lunes 8 en Teatro IATI. El martes 9 y el miércoles 10 se presentan Fotomatón de Gustavo Ott e interpretada por Fernando Then y Mujeres de par en par, de Indira Páez con la participación de Indira Leal, María Fernanda Rodríguez y Mónica Pérez-Brandes. Ambas piezas son dirigidas por Alfonso Rey.

Venezuelans in NYC Festival. Del lunes 1 al viernes 12 de noviembre, 2010. Información y boletos: (646) 642-1286 / venezuelansnyc@gmail.com. / www.venezuelansnycfestival.com

Sabina y Lucrecia: género, clase y opresión.

Sabina y Lucrecia de Alberto Adellach es una obra que representa la dinámica de la opresión a diferentes niveles. Es una también una para dos actrices ambiciosas.

La obra los personajes encarnan grupos oprimidos. En este caso son dos mujeres que quieren estar en un espacio en el sean consideradas personas. Para lograrlo, paradójicamente, deben vivir al margen de un sistema que las rechaza y las recluye.

En la anécdota de Sabina y Lucrecia las mujeres huyen de una institución para enfermos mentales. Buscando la libertad, se recluyen en la casa de Lucrecia. En primera instancia, pareciera que los personajes han decidido compartir destinos.

En el momento que emprenden el desesperado y caótico esfuerzo por comenzar de nuevo, aparecen los comportamientos adquiridos. Lucrecia, para sentirse aceptada, asume las actitudes de una mujer pequeño burguesa; en el transcurso de la pieza trata de proyectarse como señora decente, respetable y normal, palabras que repite constantemente. Por su parte, al principio el cuerpo de Sabina no le permite mirar hacia atrás, metáfora de la ruptura con el condicionamiento a servir y ser explotada; ella se siente inferior al punto de compararse con una rata.

Al momento de ser escrita (1972), Sabina y Lucrecia refleja una sociedad en la que hay seres angustiados por la persecución política y la delación: lo que más temen estas mujeres es volver a la reclusión y ser traicionadas por la otra. Como comenta Eva Cristina Vásquez: “Ahí están los temas de la delación, sobre todo de la delación y el miedo a ser delatado, el miedo a ser encerrado, a ser oprimido. Creo que eso habla mucho de la Argentina de los años setenta” (1).

Hay una lectura sobre el rol de la mujer. En la historia de cada una está presente, de forma matizada, los tipos de abuso de los que fueron víctimas. Al pertenecer a un grupo históricamente sometido, pareciera que el entorno empuja a los personajes a las dolencias que padecen. Lucrecia hereda como máximo ideal el modelo del ángel del hogar. Johanna Rosaly, su intérprete, afirma que “Lucrecia cree que la vida normal es la vida doméstica que le han enseñado, mantener la casa limpia, cocinar, servir las comidas a la misma hora, conversar con la vecina”(2).

Cada una de estas mujeres representa un segmento social: una tiene aspiraciones de ama de casa y es condicionada para rechazar el disfrute del sexo, no contemplado en el ideal de la esposa perfecta. A su vez, pretende tener a Sabina de sirvienta por considerarla naturalmente inferior. Para Lucrecia, ser la dueña de la casa y de los objetos que hay en ella así como su conocimiento del mundo le dan autoridad. Su convencimiento es tal que se rehúsa a negociar con Sabina: el diálogo entre la clase media y la clase obrera no es posible.

El complejo mundo creado por Adellach cuestiona la percepción: la casa es bonita para una, fea para la otra. En una ocasión se refieren a un marido en principio hermoso para confesar después que es feo. No hay alfombras y constantemente se hace mención a ellas. No hay ratas, pero Sabina las ve para asustar a Lucrecia. Relacionado con el punto anterior, se cuestiona la normalidad. Como si fueran amigas, las dos mujeres narran sus historias; las cuentan manipulándolas de acuerdo a lo que quieren hacer entender a la interlocutora, tal como hace la gente “normal”.

La producción de Teatro Círculo, bajo la dirección de Dean Zayas, presenta el trabajo de dos actrices que enfrentan un reto complejo. En ese reto está la gran cantidad de transiciones: los personajes constantemente pasan de un estado anímico a otro sin motivo aparente. Es frecuente que los parlamentos se sobrepongan y que hablen de asuntos distintos. El resultado es la incorporación del humor a partir de diálogos absurdos.

En esa dinámica los personajes juegan diversos roles. Uno de ellos es el de patrona y la sirvienta que se rebela. Ante la crisis por el pasado de explotación de Sabina, Lucrecia asume el rol de madre. En los desafíos los personajes se desafían y llegan a desempeñar actitudes de traidora y traicionada, el juego más peligroso.

Otro aspecto que hace compleja la obra es el movimiento escénico. Al principio es el rito de reconocer la casa. Posteriormente los personajes andan por el escenario dando vitalidad a éste.

Johanna Rosaly y Eva Cristina Vásquez constantemente se enfrentan al riesgo. Para asumir ese riesgo han sido honestas y orgánicas en sus interpretaciones: han logrado crear los personajes mental y físicamente. La energía de su trabajo hace que el mundo de las dos marginales sea aprehendido por el espectador.

Johanna Rosaly es Lucrecia. Sus aspiraciones de ama de casa normal y decente la llevan a querer controlar la situación. La actriz desarrolla un personaje fragmentado, necesitado de compañía, de cambios bruscos que continuamente lucha por mantener la fachada de dama distinguida lo cual no siempre logra por su irascibilidad. Johanna hace que su personaje fluya a través de diversos estados que van desde el rechazo y el asco hasta la súplica de compañía.

Eva Cristina Vásquez es Sabina, la mujer explotada que descubre que hay posibilidades. Eva Cristina ejecuta un personaje sin ambiciones, más próximo a la realidad, que descubre que hay gente que la puede mirar de otra manera. Incorpora la burla a su compañera, a sus consejos y aspiraciones creando el contraste que crea la tensión en la obra.

Sabina y Lucrecia es un texto que presenta diversas lecturas. Sus intérpretes exploran diversas posibilidades para mostrar el mundo de seres marginados creando personajes que ya son referencia en la escena hispana.

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1- Tomado de “Dos mujeres, una locura.” Hora Hispana Daily News. Septiembre 16, 2010: 12. Print.

2-Idem.

Fotos: María Cristina Fusté

Minutas, fragmentos, identidad.

La familia del Valle está más allá del aislamiento: vive en una casa sin relación con el exterior, ubicada en una isla. Remigia, la madre de Martí, recuerda los esfuerzos para que el hijo honrara su nombre y no se inclinara hacia la derecha reaccionaria.

Martí perdió el habla. La posible razón: el padre abandonó el núcleo familiar. Sólo se comunica con la palabra escrita. A diferencia del Martí histórico, los escritos del personaje son nada más que minutas hechas sobre papeles engomados que invaden la casa al punto de ser parte integral de las paredes. Las notas son parte del componente decorativo, además de transmitir ideas y opiniones respecto a la cotidianidad.

Aparte de escribir para relacionarse con la inmediatez, el personaje pasa la mayor parte del tiempo leyendo textos clásicos. En el transcurso de la pieza los libros pierden su función original y son lanzados contra el piso o sirven de asiento. En esas lecturas está La Orestiada, texto que en la representación gana fuerza y se integra en la vida de familiar.

El mundo de los clásicos se mezcla con un chiste de Pepito. Mientras se acciona el hecho trágico, Shamira cuenta lo que debería ser un chiste, una secuencia de castigos a Pepito por algo que él desconoce. La narradora además de relatar, comenta y critica las incoherencias del chiste; lo gracioso debe reinventarlo el oyente porque el diablo quemó el texto. Encima, el espectador debe escoger si seguir la acción de la tragedia o descubrir qué es lo chistoso.

Martí decide liberarse y para ello se vale de una forma trágica. Al seguir las apariencias, logra la liberación anhelada. Su acción tiene un aspecto terrible. Sólo el aspecto. Al sólo representar, su liberación es ridícula.

Carle Anne, hija de Remigia, tiene un novio. El novio se parece al padre y al amigo inventado por Martí. Tal es el parecido que a veces la madre se refiere a él como el patriarca prófugo que vuelve a la familia con intenciones de destruirla. En ese entramado, el autor hace que el espectador asuma las diversas perspectivas de los personajes sobre el novio: la de la madre que en ocasiones lo percibe como un monstruo, la de la hija que ve al enamorado como un comerciante de piedras preciosas o la del hombre solitario que lo ve como un amigo parlanchín.

La propuesta de Javierantonio González exige un trabajo actoral complejo. Las diversas referencias para llevar el texto a escena han de ser analizadas por los intérpretes. En este nivel de complejidad hay personajes que se definen a sí mismos exactamente contrarios a lo que son como en el caso de Remigia; también está el aspecto dual de Marcelo-Horacio, la pasividad de Martí que lo lleva a su liberación, el carácter beligerante y a la vez necesitado de Carla Anne, y Shamira como contrapunto a lo que sucede en la historia.

Tania Molina, Laura Butler, Marcos Toledo, Yaremis Félix y Modesto Lacén conforman un equipo actoral que presenta maneras alternas de representar. Tal alteridad viene de la incorporación de diversas referencias que incorporan en la representación. Representación en la que constantemente hay riesgo. Representación que apela al espectador como sujeto activo para resolver diversos aspectos de la historia.

Las minutas de Martí se puede resumir en la reflexión que hace uno de los personajes sobre el incendio intencional que en el 2006 sufrió la casa-museo del artista plástico Antonio Martorell: el incendio es un símbolo, no sabe de qué, pero es símbolo.

El fuego que acabó con piezas representa más de un aspecto. Tal vez sea un intento de ruptura, ruptura indolente con la identidad a partir de la desaparición de imágenes de la cultura plástica. Tal vez sea el renacimiento de esa identidad: Martorell creó una obra basada está en los fragmentos rescatados de las llamas. Fragmentos como los que componen Las minutas de Martí.

Las minutas de Martí. Repertorio Español. 138 Este de la Calle 27, Manhattan. Funciones: viernes 1ro. de octubre, 8:00pm; domingo 3 de octubre, 6:30 pm.

On Becoming en The Tank, Manhattan

On Becoming es una pieza original. De corte musical, en ella es relevante la voz, el movimiento y la ejecución de movimientos. Los intérpretes, a partir del canto, recrean un mundo interior.

Compuesta para dos voces a cappella, música grabada, electrónica, instrumentos en vivo, movimiento e imagen On Becoming es presentada por SoCorpo integrado por Sasha Bogdanowitsch y Sabrina Lastman.

En ella, Bogdanowitsch y Lastman son intrumentistas, vocalistas, bailarines e intérpretes. La capacidad e inventiva de este dúo hace de esta producción sea punto de referencia en la escena teatral de Nueva York.

Sasha Bogdanowitsch ejecuta la voz, doso'ngoni, swarsangam, percusión, halo y electrónica. Por su parte, la uruguaya Sabrina Lastman está a cargo de la voz, kantele, percusión y electrónica.

El espectáculo de corte intimista, presenta elementos del rito y explora las posibilidades del cuerpor y la voz.

On Becoming
21 de setiembre, 2010, 7:00 PM
The Tank / 354 Oeste de la Calle 45, Manhattan.
Entradas: $10
Tel: 212-563-6269
Website: www.thetanknyc.org
Boletos: http://www.brownpapertickets.com/producerevent/124993?prod_id=9726

Sabrina y Lucrecia en Teatro Círculo

A partir del 23 de septiembre y hasta el 10 de octubre, Teatro Círculo presenta Sabina y Lucrecia, del dramaturgo argentino Alberto Adellach.

Dos mujeres escapan de una institución mental tras la libertad. En esa búsqueda, interactúan creando un arriesgado juego teatral. El reto es asumido por Johanna Rosaly y Eva Cristina Vásquez; como dato anecdótico, es la primera vez que se presenta en la escena neoyorquina Johanna Rosaly, actriz puertorriqueña con 53 años de trayectoria. Aquí les dejo el link con la nota que apareció en el Daily News.

http://www.nydailynews.com/latino/2010/09/15/2010-09-15_untitled__rosaly15.html

Gehrenbeck en Manhattan y Taller en Thalía

Eva, de Lupe Gehrenbeck en el Bajo Manhattan.

The Venezuelans NYC Festival, ISHOW NYC Productions y 1492 presentan EVA, escrito por Lupe Gehrenbeck interpretado por Marysol Blaumann.

El evento forma parte de una serie de actividades organizadas por un grupo de artistas y productores venezolanos que tienen como meta promover en Nueva York diversas manifestaciones artísticas tales como música, danza, teatro y artes plásticas entre otros.

Lupe Gehrenbeck es actriz y escritora de amplia trayectoria en Venezuela. En su unipersonal, Eva es mujer y tierra. Eva brinda razones para reirnos de nosotros mismos, Eva sabe que no es tan malo pensar diferente de las Sagradas Escrituras.

Hija de caraqueños, pintor y del hogar, creció y se educó en Caracas. Hizo dibujo en la Cristóbal Rojas, y música en el Conservatorio Juan José Landaeta, violoncellista de la Orquesta Nacional Juvenil, luego Simón Bolívar, desde sus inicios… hasta que se graduó Magna Cum Laude de la Primera Promoción de la Escuela de Arte de la UCV. Conoce a Cabrujas, Chocrón, Chalbaud… empieza a hacer teatro… cine y televisión.

Entonces se fue a Nueva York a estudiar Medios de Comunicación de Masas… y esa experiencia de vivir en la tolerancia y la diversidad, el apuro y el arrojo, que suceden en esa ciudad, marcó su visión de futuro para siempre.

Regresa a Caracas en 1986, con su única hija Lucía, adoración recién nacida y vuelve a los escenarios: primero como actriz, luego como dramaturga y directora de sus piezas.

Se jura adicta al teatro de manera incurable. El olor de los escenarios es una de las cosas que más feliz la hace. Además de la suerte de vivir con su gran amor, Felipe Delmont, poeta de casas y ciudades.

La actriz Marysol Blaumann se formó en el conservatorio de La Compañía Nacional de Teatro de Venezuela. En 1992 se incorpora al Teatro del Contrajuego bajo la dirección de Orlando Arocha y participa en eventos como el Festival International de Caracas y el Festival Ibero Americano de Teatro en Cádiz, España. En 1998, Marysol obtiene una licenciatura y una maestría en estudios teatrales en la Universidad de Paris VIII. En el 2005, Marysol Blaumann se incorpora a la Compagnie de La Mentira (Montpellier) y el Théâtre du Versant (Biarritz). A lo largo de su carrera, Marysol ha interpretado personajes de Molière, Shakespeare, Marivaux, Goldoni, Beckett, Brecht, Cervantes, Tennessee Williams, Emilio Carballido, Andrés Eloy Blanco, entre otros.

Después de Nueva York, Eva se presentará en Montreal y Londres.

Eva, de Lupe Gehrenbeck. Función en inglés. Jueves 16 de septiembre, 7:30pm.

1492 Food, 60 de la calle Clinton, Manhattan.

Entrada $15

http://venezuelansnycfestival.com/

http://www.kickstarter.com

/projects/1443405421/venezuelans-in-new-york-city-festival-2010

Información/Reservaciones: (646) 642 1286

Taller de actuación en Teatro Thalía

Bajo la dirección de la conocida actriz Soledad López, a partir del 20 de septiembre y hasta el 12 de diciembre del 2010, Teatro Thalía dicta el Taller de exploración teatral bilingüe para jóvenes actores.

Según los organización, el taller de actuación es de corte teórico-práctico basado en textos del Siglo de Oro español y culminará con una producción de Fuenteovejuna, de Lope de Vega.

Los intructores son los actores y directores Franco Galecio y Lucía Miranda. El Taller de exploración teatral se realizará los lunes de 6:00pm a 9:00pm; su costo es $150.

El Teatro Thalía está ubicado en el 41-17 de la Avenida Greenpoint, Sunnyside, Queens. Información (718) 729-3880 / www.thaliatheatre.org

Conferencia y lectura de Abdón Villamizar en Caracas

En el marco del programa La Voz de los Creadores este viernes 10 de septiembre a las 7:00pm la Fundación Casa del Artista ha organizado un evento con el creador tachirense. El mismo iniciará con una tertulia con Villamizar, y proseguirá con la lectura dramatizada de su monólogo La indocumentada, interpretado por Iliana Hernández, bajo la dirección de Gennys Pérez. El encuentro finalizará con El Hombre de la Silla de Ruedas, a cargo del autor.

Abdón Villamizar es una figura determinante en el desarrollo de las artes escénicas hispanas de Nueva York. Nacido en 1929 en San Cristóbal, estado Táchira, este venezolano, junto a unos pocos, apostó por el teatro en español. Ese ímpetu fue empuje para creadores de diversos orígenes que lograron un foro para mostrar sus trabajos.

Su labor en Nueva York tiene dos vertientes. Como creador ha realizado propuestas que llamaron la atención a una comunidad que constantemente llenaba los espacios en los que se presentaba este hombre de teatro; piezas relevantes de la dramaturgia contemporánea latinoamericana se mostraron en el Instituto de Arte Teatral Internacional, creado por Abdón en 1968.

Como promotor cultural, Villamizar promovió el talento latino, más allá de ideologías y nacionalidades. Muchos han sido los directores, actores y escritores que recibieron la ayuda de este hombre de teatro. Su labor incansable le ha valido diversos reconocimientos entre los que destacan el HOLA y el ACE de las dos organizaciones que reconocen el trabajo de los teatreros latinos.

Por su parte, la actriz Iliana Hernández es egresada del IUDET, en Teatro, Mención producción y Gerencia Teatral. Ileana iene una trayectoria de 23 años; se ha desempeñado como actriz, productora, directora, docente y diseñadora.

Gennys Pérez es dramaturga, directora y productora de teatro. Ha recibido reconocimientos como el Premio Nacional de Dramaturgia Innovadora en 2006 por Yo Soy Carlos Marx y el Premio Monte Ávila Editores de Autores Inéditos en 2005 por El Secreto de la Felicidad; recientemente su pieza El Fantasma de Hiroshima ganó el concurso de dramaturgia Actors of the World, promotor del teatro latinoamericano en el Reino Unido. Gennys se ha destacado por sus cuentos, poemarios y por su trabajo de guionista de series televisivas. Actualmente dirige el Teatro Gastronómico, asociación cultural dedicada al desarrollo del teatro venezolano.

El programa La Voz de los Creadores, es un proyecto de la Fundación Casa del Artista concebido para la concentración y conservación de los testimonios sonoros e iconográficos de artistas y creadores con detalles sobre su vida y obra para ser difundidos en diversos formatos.

La finalidad es crear sistemas de referencia nacional e internacional que permita el acceso efectivo y eficaz de información para la preservación de la memoria e identidad cultural a través del aportes de académicos, docentes, estudiantes de todos los niveles, profesionales y público en general.

Conferencia y lectura dramatizada de Abdón Villamizar. Viernes 10 de septiembre, 7:00pm. Fundación Casa del Artista, Sala Doris Wells. Boulevard Amador Bendayán, Quebrada Honda, cerca de la Estación de Metro Colegio de Ingenieros. Caracas, Venezuela. Entrada libre.

El olor del popcorn: antagonismo y supervivencia

José Luis Ramos Escobar es un autor puertorriqueño. Parte de su producción dramatúrgica toma el pulso a la sociedad contemporánea recreando sus diversos componentes. Piezas como Indocumentados, El salvador del puerto y Mano dura presentan diversas aristas de la vida urbana. Entre sus piezas está El olor del popcorn, basada en un hecho real, y que se presenta por primera vez en Nueva York.

En El olor del popcorn (1992) chocan dos mundos representados por Georgy, quien entra en un apartamento con la intención de robar, y por Fabiola, estudiante de teatro quien enfrenta el peligro a partir de sus recursos histriónicos.

Georgy y Fabiola representan visiones antagónicas. Cada personaje tiene una meta distinta y para lograrla ha de imponerse al otro. “La sociedad se compone de grupos y personas de diversas visiones de mundo. Convergen en el quehacer cotidiano, pero esa convergencia no es siempre armónica sino que los enfrentamientos se alternan con complicidades, y lo antagónico se yuxtapone con lo complementario”, afirma Ramos Escobar.

Ese encuentro, si bien parte de la realidad, pronto se adentra en lo ilusorio gracias al recurso de la representación y en el que aparecen personajes como Desdémona, lo que además de servir como juego teatral, explora conceptos como sexismo, clasismo o delincuencia.

La dirección está a cargo de Jorge B. Merced. La propuesta de Jorge adapta el texto a la cotidianidad neoyorquina y además lo presenta en inglés. Sobre los elementos que le atraen de la pieza, Jorge declara: “Siempre he respetado mucho el trabajo de Ramos Escobar. Hemos colaborado en varias ocasiones a través de los años y me siento cómodo navegando su estilo de escritura y la manera en que aborda la propuesta teatral”.

“Para esta pieza en específico –continúa Jorge- el juego entre la realidad y la fantasía, mezclado con la urgencia de buscar cómo sobrevivir una situación de gran peligro, es lograda con gran magistralidad. La trama te mantiene al borde de tu asiento de principio a fin. Y ambos personajes emprenden una trayectoria que ninguno planifica pero que los lleva a cuestionar la esencia de lo que los mantiene de pie”.

Sobre la vigencia de El olor del popcorn, el director señala que “el día que dejemos de preguntarnos preguntas tan sencillas como el porqué somos como somos, de qué se trata la esperanza, de dónde viene el dolor, porqué el amor... cuando ya no nos preguntemos de dónde viene el hambre de seguir vivos, creo que entonces sí que dejaremos de ser seres sociales y fracasaremos como humanidad”.

Luciana Faulhaber y Javier Gómez conforman el elenco. Para Javier: “Georgie es un personaje de extremos y es muy complicado en su totalidad. No tiene términos medios. Pero si debo escoger un solo aspecto, diría que lo más desafiante del personaje es lograr acceso a esas áreas de las emociones que son muy oscuras e intensas, y no se tienen fácilmente a la mano. Georgie es un marginado. Carga una impresionante furia y resentimiento contra el mundo que a su entender lo forzó a una vida de crimen y pobreza. Tiene un historial muy secreto y violento, y ha perdido fe en la humanidad. Es muy visceral y actúa como perro callejero en defensa propia, sin importar causar daño por que otros le hicieron daño a él”.

“El chico no es un monstruo –prosigue Javier-. Será ratero, pero en el fondo es muy humano y entiende claramente lo que está pasando. Cansado y defraudado decidió no pelear un mundo contradictorio que no tiene sentido”.

El olor del popcorn, de José Luis Ramos Escobar y dirección de Jorge B. Merced. Con Luciana Faulhaber y Javier Gómez. Del 8 al 19 de septiembre 2010. De jueves a sábado: 8:00pm; domingo: 3:00pm. En inglés con títulos en español. Teatro IATI: 64 Este de la Calle 4, Manhattan. Boletos $18 y $15. (212) 505-6757 / www.teatroiati.org

Foto: Alfredo Huereca

Shakespeare desde la alteridad en Teatro Latea

Del 15 de septiembre al 3 de octubre, Soñadores Productions y Teatro Latea presentan King Lear, bajo la dirección de Dara K. Marsch.

La historia del rey que toma una terrible decisión influenciado por la falsedad de sus hijas Goneril y Regan desheredando y rechazando a Cordelia, la hija honesta, llega al escenario del teatro ubicado en el Lower East Side de Manhattan.

Característica de esta producción es el tono multicultural del elenco, de diversos orígenes y formación teatral. Según la directora Dara K. Marsch, el “otro” en montajes clásicos se ha percibido a través de estereotipos negativos. Por eso era importante para ella abrir el escenario a un elenco de diversas procedencias. Otro elemento que remarca la directora es que la producción honra el texto original y a la vez lo ubica en un contexto contemporáneo.

Soñadores Productions fue fundada en el 2001. La meta principal de la compañía es producir trabajos de teatro y cine inteligente y entretenido que sean reflejo de la comunidad global en la que vivimos.

Teatro Latea fue fundado en 1982 por Nelson Tamayo, Nelson Landrieu y Mateo Gómez. Entre sus funciones está brindar oportunidades a los artistas emergentes y profesionales, en especial a los de origen latino.

La directora Dara K. Marsh inició su carrera en 1995 con The Creative Arts Team Youth Theater. En el 2001 recibió su grado de bachiller en Estudios de Drama en SUNY, mientras realizaba su debut como directora. En 2007 obtuvo su grado de maestría en teatro educacional en New York University.

El asistente de dirección es Omar Pérez, miembro de Teatro Pregones. Además de actor, Omar ha trabajado como artista-instructor cn el Instituto de Arte del Lincoln Center, ArtsConnection y CUNY/Creative Arts Team. El diseño gráfico es de Will Sierra

El elenco de King Lear está integrado por Victor Arnez, Ann Flanigan, Amanda Idoko, Folami Williams, Carlos Alberto Valencia, David Elyha, Ugo Chukwu, A.B. Lugo, Michael J. Blair, Sarah “Sevans” Evans, Héctor J. Muñoz, Marco De Castro, Mahammatt Baba, J. F. Seary, Ashton Pina, Giovanni Sferrazza, Tiffany Rothman y Joy Song.

King Lear. Del miércoles 15 de septiembre al domigo 3 de octubre. De miércoles a sabado, 8:00pm; domingos, 4:00pm. Funciones en inglés. The Clemente Soto Velez Cultural and Educational Center. 107 de la calle Suffolk Street, entre Delancey y Rivington, Manhattan. Trenes J, Z, M estación Essex; tren
F estación Delancey. Boletos: $ 18.00. Smartix: (212) 868.4444

https://www.smarttix.com/show.aspxEID=&showCode=KIN18&GUID=5e933426-21b0-4500-ae32-a788841effd6.

Directores puertorriqueños en el Repertorio Español

Como parte del Programa Van Lier para jóvenes talentos, durante septiembre y octubre dos directores boricuas se presentan en el Repertorio Español: Gamaliel Valle Rosa y Javierantonio González.

Gamaliel Valle Rosa, dirige La niña que moría a cada rato, de José Luis Arce. Valle Rosa nació en Arecibo. Recibe su Bachillerato en Teatro de la Universidad de Puerto Rico; su trabajo final de dirección, Improvisación del alma o El camaleón del pastor de Eugène Ionesco formó parte del Festival de Teatro de Caguas, 2007.

En el 2004 Valle Rosa funda el grupo de teatro Señora Caracola con el que dirige sus trabajos: Yo viendo… nosotros viendo (2005) y (T)-habitan-(t), (2006). Recibe el primer premio de dramaturgia del Instituto de Cultura Puertorriqueña (2008) por su obra Queishd&Dilit, la cual formó parte del Festival de Teatro Puertorriqueño. Actualmente continúa estudios graduados en The New School for Drama en el programa de Dirección Teatral.

La niña que moría a cada rato se desarrolla en un mundo rural-selvático. La leyenda del jaguar sigue viva y aparece el caso de la niña que muere y resucita constantemente. Los padres sin saber cómo lidiar con este fenómeno, recurren a la iglesia en busca de respuestas. El cura no encuentra solución y tampoco logra calmar las encontradas opiniones sobre el extraordinario caso. El pueblo tiene la última palabra.

El elenco lo integran Julissa Román, Dennis Brito, Malena Ramírez, Diana Carolina González, Juan Castaño, Gerardo Gudiño, Maylin Castro e Isamar Rosado-Aponte. El regidor de escena es Michelle Trester; el diseño de iluminación está a cargo de Jeremy Pape; el diseño de escenografía es de Andrew Díaz.

La niña que moría a cada rato. Viernes 3, 8:00pm; domingo 5, 6:30pm; jueves 9, 7:00pm y domingo 12 de septiembre, 6:30pm. En español.

Javierantonio González, es dramaturgo y director que en poco tiempo ha mostrado trabajos que han recibido el reconocimiento del público y la crítica. En este proyecto dirige su obra Las Minutas de Martí.

Javierantonio comienza a dirigir en el 2002. Desde su graduación de Columbia University (2006) ha dirigido proyectos en Classic Stage Company, Chashama, Pregones, Dance New Amsterdam, The Gene Frankel Underground, The Chernuchin Theatre, Uncle Ming’s, Dalton School, Teatro IATI, The WestEnd Theatre, The Kraine y el Jamaica Center for Arts and Learning. Su obra Barceloneta, de noche representó a Puerto Rico en el festival CASA en Londres en Septiembre de 2008.

González es autor de siete obras originales y adaptaciones incluyendo: Floridita, My Love; Barceloneta, de noche; Un instante en una especie de flash; Never as Happy-Oresteia y Uneventful Deaths for Agathon. Además, Javierantonio es el director artístico de Caborca.

Las minutas de Martí es un retrato de familia sobre los hijos e hijas de la izquierda puertorriqueña. Situada en una versión un tanto distorsionada del Puerto Rico de hoy, la obra se desarrolla en el hogar de los Del Valle, donde por los últimos diez años, desde la desaparición del padre, la madre no ha salido y Martí no ha hablado. La obra comienza cuando la hermana de Martí comienza a salir con un hombre de negocios quien se ve, habla y se comporta como su padre.

Las minutas de Martí. Jueves 23 de septiembre, 7:00pm; viernes 24 de septiembre, 8:00pm; viernes 1ro. de octubre, 8:00pm y el domingo 3 de octubre a las 6:30pm.

Boletos para las obras del Proyecto Van Lier: $10 y $20 www. repertorio.org / (212) 225-9999 Repertorio Español: 138 Este de la Calle 27, Manhattan,

Ilustración Leopard Woman, de Kimberly Kirk.