Tuesday, March 31, 2015

NY: HOLA and Oneaheart Productions present El canto de Carlota, April 19 2015.








A mother’s love transcends all dimensions.


WHERE: Flamboyán Theater, situated in
the Clemente Soto-Vélez Cultural Center
107 Suffolk St., Lower East Side

WHEN: SUNDAY, APRIL 19, 2015 @ 5 P.M. 

TICKETS: $40, HOLA members: $35 (2 ticket limit/member)
Cash Box Office at door / Credit Cards accepted for advance sales only 
 (212) 253-1015 to buy tickets. 

Running time: 90 min.

“Charlotte’s Song” by Nancy Ferragallo is a performance-based experimental work that explores a daughter’s reality of growing up with her emotionally disabled mother and how that impacted her life and healing process. It is a poetic collective of monologues, dialogue scenes and movement theater in the style of the Tanz Theater of Pina Bausch. The work is co-directed by Andreas Robertz and Mario Golden and co-choreographed by Nancy Ferragallo and Celeste Hastings.

The narrative is told through literary fragments and movement sequences. A mother (played by Mario Golden) and her daughter (played by Yvette Quintero) are so alienated from one another that they communicate primarily by letters. A dancer (Celeste Hastings) dances the mother’s inner life. As the play progresses, the daughter explores issues of betrayal and abandonment and comes to an ultimate understanding of her mother’s behavior. All is played out in the presence of a doll, designed by Maria Hupfield, who bears witness to the daily life of both women.

In shifting auditory landscapes, we hear the language of disconnect that announces the underlying fragility of the mother and her love and need for her daughter, all rendered in exquisite movement sequences and a clothing ritual. The play was born out of Nancy Ferragallo’s experiences with her own mother, who died when Nancy was 37. Ferragallo reports that the idea for this play “tugged at her and waited decades to be born.”

The production contains both spoken text and Tanz Theater reminiscent of the style of Pina Bausch. Ferragallo’s background is primarily in the field of dance. She believes that by transferring rituals drawn from the mother’s instability to the dancer rather than through the text, she conveys a fuller expression of the mother’s life. In the production, Celeste Hastings dances the mother’s inner life, in movement sequences which include undressing and redressing herself in various sets of clothing set to the repetitive and dissident scores of Steve Reich, Philip Glass and most notably, Luciano Berio (“Sequenza 111 per voce solo”).

“Charlotte’s Song” was first presented on December 7, 2012, at the LaGuardia Performing Arts Center’s Lab 101, as part of their residency program. The audience’s overwhelmingly positive response encouraged the author and directors Andreas Robertz and Mario Golden to move forward with the play, which was accepted for production at the Theater for the New City, where it enjoyed a three week run in the Spring of 2014.

Nancy Ferragallo is a dancer/choreographer, conceptual artist and writer. She began her professional career in dance with the San Francisco Contemporary Dancers. Over the course of her extensive career she studied, performed, choreographed and taught in the U.S., Germany and Israel. She spent several years in India and Nepal in collaboration with indigenous theater artists and dance companies. In addition, her work as a movement therapist at a hospital in Illinois provided her with a rich resource for her conceptual work that followed. Most recently, she collaborated with OneHeart Productions, the first as Luna, in the non-speaking role in “Lunas Armband” in Berlin (2010), while presenting her own conceptual dance theater work, “A Symbolic Improvisation” with members of the New York and Berlin casts. She conceived and wrote “Charlotte’s Song” for the LaGuardia Performing Arts Center’s Little Theater (2012) and was resident choreographer for the New York based production of “Breaking the Silence” at the Edinburgh Festival (2013). Nancy is thrilled about this workshop Spanish-language production of “Charlotte’s Song.” She writes: “It goes without saying that this is extremely meaningful to me, and I am very happy that my story can be shared with the Spanish-speaking community in New York.”

Andreas Robertz (Director) is Artistic Director of OneHeart Productions and a freelance director and producer working in both Germany and NYC. He last directed “Negative is Positive” at Theater for the New City in November 2014. Other plays he has directed in New York include “Deceit,” “The Love of Brothers,” “The Boxer’s Son,” and a workshop production of “Birmingham Reunion.” He has collaborated with the Immigrants’ Theatre Project, The Puerto Rican Traveling Theatre, Around the Block and the Martin E. Segal Theatre. Andreas has received numerous directing awards and nominations in Germany, including the 2006 Cologne City Award for “The Pillowman.” He co-directs the Puerto Rican Traveling Theatre’s Playwrights’ Unit and is a member of Lincoln Center Directors Lab network.

Mario Golden (Co-Director/Mother) is a writer, actor, director, teacher and co-director of Puerto Rican Traveling Theatre’s Professional Playwrights’ Unit. His plays include “The Boxer’s Son,” “The Love of Brothers,” “Confessions of a Sex Addict” and “Luna’s Bracelet.” The first two premiered at Theater for the New City and the last two premiered in Germany. Most recently he co-directed (with Andreas Robertz) “Birmingham Reunion” at La Guardia Performing Arts Center. He is founding co-director of One Heart Productions. This year Mario received a Best Actor nomination for his role as Hannah in “Charlotte’s Song” by the ATI Awards. He holds a BA and MA from Stanford.

Yvette Quintero (Daughter) studied at Stella Adler Conservatory, The Actor’s Center and with Catherine Gaffigan and Bernice Loren. She has just been nominated for Best Actress for “Charlotte’s Song” by the ATI Awards. She was also nominated for her first ACE Award this year for her role as Helen of Troy in “The Trojan Women”. Last year she received a nomination by ATI for her work in Dario Fo’s outrageous farce “The Virtuous Burglar.” In the fall of 2014 she completed a second run in Lorca’s “Blood Wedding” in which she was also nominated for Best Supporting Actress. Her other theater credits include “Cybersex,” “Los Amantes Del Alto Manhattan,” “Angel of the Poor,” “The Boxer’s Son,” “La Callas and Medea,” “My Night With Frida,” “The Ides of March,” “Twice Gloria,” “La Esposa y El Maniqui,” “Cheer Up Jackie,” “Her Train of Thought,” “Chastity of Hearts,” “Divino Castigo,” “The Involvement of Neighbors” and “Rosa’s Century.” Her film credits include “Heysoos,” “Hopeless Romantic,” “Welcome Home,” “Alejo Bachata,””Conciliation,” “Eva and Bruce,” “El Puente del Destino,” “Una Calle Sin Salida,” “Adrift In Manhattan” and “Bomber Jackets,” which was nominated for Best Film at the Golden Door International Film Festival. She just finished filming the short “Quedate(Stay)”, a powerful film dealing with suicide.

Celeste Hastings (The Other, Co-Choreographer) is a NYC based independent choreographer, performer, costume and video designer. Her work, both solo and group, fuses dance, theater, Japanese Butoh and visual arts with concepts of universal archetype. She has presented in the venues including the NY Butoh Festival, White Wave, CRS, Dixon Place, PS122, Galapagos, Frying Pan in France, Germany and Venezuela. She is director/choreographer of the satirical group The Butoh Rockettes. A lead dancer for 12 years with the post-modern butoh group Poppo and the Gogo Boys, she has more recently performed with Akira Kasai. Yukio Waguri, Richard Move, Noemie la France among many others. She has collaborated with Nancy Ferragallo in “Charlotte’s Song” in its original development at LPAC in 2012 and in 2014 at Theater for the New City. Also in 2014 Celeste presented her works “Victoria’s Shadow” in Performance Mix Festival, “The Blue Door,” a dance/film installation as guest artist in De Nova Dance’s ‘Sleep Lab’ at MAAS gallery, and collaborated with graphic designer Sondra Graff on “Traversing with Onions”, a video/photo dance project in upstate New York.

Wednesday, March 25, 2015

NY: ¡Por mi madre que es verdad! del 3 al 5 de abril en Broadway Blackbox Theater

El director J. Edgar Mozoub

Pablo Cabrera, hombre de teatro
Esta obra teatral es una cómica versión de A la diestra de Dios Padre de Enrique Buenaventura y Tomás Carrasquilla de la leyenda popular medieval de El herrero y la muerte.  La misma es escrita por el galardonado y reconocido autor y director puertorriqueño Pablo Cabrera. La obra es presentada por el Group Of The Arts o mejor conocido como GOTA; está bajo la dirección de J. Edgar Mozoub (Nominación Premios ATI 2015, Director Nueva Estrella).

¿Quién es Franklin Peralta y porque es el hombre más perseguido por todas las agencias federales y religiosas? ¿Podrá Oralina dar con su paradero? ¿Qué buscan Jesús y San Pedro en una botánica del Alto Manhattan? ¿Serán ciertos todos los rumores sobre unos supuestos milagros ocurridos a un grupo de indigentes? ¿Qué es esa figura enigmática perchada en el puente George Washington? ¿Por qué la comunidad médica pide a gritos a la muerte?

Para obtener las respuestas a estas y otras preguntas te invitamos a ser parte del público presente en las próximas grabaciones en vivo de ¡Por mi madre que es verdad! El programa de periodismo investigativo número uno de la televisión hispana en el área tri-estatal. Conducido por la inigualable Oralina, la periodista más atrevida de nuestros tiempos.

En esta propuesta escénica conocerás la divertida historia de Franklin Peralta, un humilde y generoso dueño de una botánica, quien se convirtió de un día a otro en una controversial figura pública. Oralina nos relatará sobre los delitos, crímenes y conspiraciones de los que Franklin está acusado. Durante el programa ella nos presentará evidencias que serán corroboradas por invitados expertos en las materias. Entre ellos, conocerán a personas afectadas por las acciones de Peralta. También serán testigos a las declaraciones sobre los misteriosos fenómenos paranormales que han afectado la economía y a miles de personas en el mundo entero.

¡Por mi madre que es verdad! viaja por primera vez al alto Manhattan donde se instalará en el acogedor espacio del Broadway Blackbox Theater localizado en el segundo piso del 4111 Broadway entre las calles 173 y 174 del Alto Manhattan. Te esperamos el 3, 4 y 5 de abril. Viernes y sábado a las 8:00pm y domingo a las 4:00 pm.

¿Se resolverá este misterio? y ¿encontraremos respuestas a las miles de preguntas del pueblo y agencias federales? No te pierdas ¡Por mi madre que es verdad!! es su compromiso limitado. Boletos e información: 646-216-8688 / info@gotanyc.com 

Friday, March 20, 2015

Caracas, 21 y 22 de marzo: Con Metros de Poesía Argentina y un Diccionario de Tanguismos para Caribeños se despide Argentina de la Filven 2015

Jorge Edgardo Álvarez Calaza
Sábado 21 y domingo 22 de marzo

Con Metros de Poesía Argentina
un Diccionario de Tanguismos para Caribeños 
se despide Argentina de la Filven 2015

Con Metros de Poesía Argentina, una actividad lúdica, para armar poemas a partir de textos seleccionados de la Antología de Poesía Argentina, de Daniel  Samoilovich, en el Anfiteatro del Eje del Buen Vivir, el sábado 21 de marzo, a las 4 pm; y la presentación  del libro Diccionario de Tanguismos para Caribeños, de Jorge Edgardo Álvarez Calaza, el domingo, 22 de marzo, a las 3 pm, en  los Espacios Cálidos, de la UNEARTE, Plaza Morelos, finalizan las actividades programadas por la Embajada de Argentina en Venezuela, en el marco de la Feria Internacional del Libro de Venezuela, (FILVEN) 2015.

Un Cadáver Exquisito de poesía argentina

Metros de Poesía Argentina, una actividad lúdica a partir de la  selección de poemas de autores del último siglo, una suerte de mezcla de muchos estilos y temas, que incluirá a Alfonsina Storni, Jorge Luis Borges, Alejandra Pizarnik, Oliverio Girondo, Rodolfo Enrique Fogwill, María Rosa Lojo, Olga Orozco y Susana Thénon, cuyos poemas aparecerán para ensamblar, colectivamente, metros y metros de poesía argentina,  entre los  visitantes  que  se apersonen en el Anfiteatro del Eje del Buen Vivir, el sábado 21 de marzo, a las 4 pm.

Pablo Neruda y Federico García Lorca, los llamaron poemas al alimón; Nicanor Parra, Vicente Huidobro, Enrique Lihn y Alejandro Jodorowsky, los denominaron Quebrantahuesos.  Una creación espontánea, lúdica, técnica usada por los surrealistas, en la década de los años veinte del siglo XX, un juego de palabras, y  un resultado conocido como cadáver exquisito o cadavre exquis en francés.

Diccionario de Tanguismos para Caribeños

El domingo 22, a las 3 pm, en los Espacios Cálidos, de la UNEARTE, tendrá lugar la presentación del Diccionario de Tanguismos para Caribeños, de Jorge Edgardo Álvarez Calaza, libro de Ediciones Clemente, que en 191 páginas nos brinda un  recorrido por algunas definiciones del tango; las características del lenguaje tanguero; el vocabulario del tango; y las instrucciones para usar un diccionario de tanguismos.

El autor, Jorge Edgardo Álvarez Calaza, oriundo de la ciudad de Buenos Aires, nació a media cuadra del Congreso Nacional y del Café de los Angelitos, en la Calle Rincón.  El Café de los Angelitos es un café de tango histórico de la Ciudad de Buenos Aires, ubicado en la esquina de la Avenida Rivadavia y Rincón, en el barrio de Balvanera.

Era el lugar en el que Carlos Gardel estableció su "barra" a partir de 1912, cuando comenzó su carrera artística formando dúo con José Razzano, quien en 1944 compuso un célebre tango con letra de Cátulo Castillo, titulado precisamente Café de los Angelitos.

Álvarez Calaza, reside en Venezuela desde los 9 años de edad.  Realizó estudios de música con Pablo Canela, en Barquisimeto.  Continuó en la Escuela Sebastián Echeverría Lozano de Valencia, con Miguel Casas Augé y Rogelio Pereira en teoría y solfeo, y Apreciación Musical con Federico Núñez Corona en la Universidad de Carabobo, donde, además, se graduó de Ingeniero Electricista.

Con Miguel Casas Augé, estudió acordeón, piano, armonía, composición y dirección orquestal.  En 1964 participó en la fundación del Club del Acordeón de Valencia, institución de la que todavía forma parte; en 1970 ingresó en el Conjunto Buenos Aires, grupo de tango que dirigía su padre, el pianista Florentino Álvarez. 


Reiteramos la invitación para disfrutar de Metros de Poesía Argentina, una actividad para armar poemas a partir de textos seleccionados de la Antología de Poesía Argentina, de Daniel  Samoilovich, en el Anfiteatro del Eje del Buen Vivir, el sábado 21 de marzo, a las 4 pm; y la presentación del libro  Diccionario de Tanguismos para Caribeños, de Jorge Edgardo Álvarez Calaza, el  domingo 22 de marzo, a las 3 pm, en los Espacios Cálidos de la UNEARTE, Plaza Morelos, en el marco de la Feria Internacional del Libro de Venezuela, (FILVEN) 2015

Tuesday, March 17, 2015

Caracas: Ezequiel Barakat muestra su serie “Caracas, Sinfonía Urbana” en la colectiva “El Cono Sur a la luz del trópico” en la Galería de Arte de la CAF, del 19 de marzo al 15 de mayo.

Desde  el 19 de marzo  hasta el 15  de mayo


El artista visual argentino, Ezequiel Barakat, mostrará su serie “Caracas, Sinfonía Urbana”, conformada por diez piezas en formatos mediano y grande, en técnicas mixtas, mayormente óleo, realizadas entre 2014 y 2015, a partir del 19 de marzo hasta  el 15 de mayo, en la Exposición Colectiva “El Cono Sur a la luz del trópico”, que  inaugura el año expositivo de la Galería de Arte de la CAF, Banco de Desarrollo de América Latina, ubicada en la Avenida Luis Roche, Torre CAF, de Altamira.


Para Ezequiel Barakat la ciudad es la protagonista, su fuerza y su energía lo dominan todo, por ello desde lo plástico y como motor para su creación, rescata el impacto que  recibe de la urbe donde vive, gracias a su rol de diplomático, una profesión de viajero  que le permitió en Venezuela, su actual destino, continuar su indagación estética que,  en esta oportunidad, bajo la museografía  de Mariela Provenzali Cárdenas, directora de la Galería de la CAF y con textos críticos de la investigadora de arte, Lorena González; presenta junto a los creadores, Germán Cabrera, de Uruguay; y Héctor Villalobos, de Chile.


Así tituló, la crítica e investigadora de arte, Lorena González, el texto que prologa la muestra de las diez piezas que integran “Caracas, Sinfonía Urbana”, que no son otra cosa que diez cantos a la urbe caraqueña, nacidos desde la imaginación y la libertad creadora de Ezequiel Barakat.
Barakat, en su indagación acude a una metáfora musical: “Ciudad Sinfónica”, de múltiples sonidos; una imagen de la combinación de movimientos, con tiempos y ritmos diferentes, que unidos dan identidad a una composición artística, en este caso, plástica. 

La especialista Lorena González enfatiza: “descubrimos que en los procesos creativos de Barakat existe un nivel profundo que ensambla las distintas ciudades habitadas por él en el ejercicio de su profesión. En esta ocasión y como en otras oportunidades, el papel ha cedido su travesía a la tela, buscando fijar y expandir a través de la pintura la memoria de ese pequeño álbum de estancias y fragmentos que recopila en sus recorridos: como si para el viajero sólo fuera posible articular los hilos perdidos de cada cartografía, a través de un cuerpo visual que de algún modo congrega los resquicios de una existencia siempre dispuesta a desplazarse”.

Para Lorena González, un “Síntoma febril por el viaje y pasión constante por la reconstrucción de lo vivido, son algunas de las pulsiones que rodean la producción artística del argentino Ezequiel Barakat. Artista oriundo de la ciudad de Buenos Aires, su obra se ha debatido entre los tránsitos de su profesión diplomática, extensión que ha desempeñado en el área de la cultura desde distintos países de la geografía mundial. Sin embargo, desde mediados de los años noventa, ha concretado investigaciones en el área de la pintura y el dibujo, junto a un conocimiento amplio en la historia de la cultura que lo ha llevado a una profundización sobre las manifestaciones artísticas de nuestro tiempo”.

La ciudad en la pintura, según destaca el artista sureño, lo remite a “ciertos pasajes donde se cuelan los entresijos de la vida urbana, de ciudades reales o también imaginarias: las calles, las ventanas, los túneles, los pasajes, los territorios de tránsito donde se combinan diferentes épocas que dan identidad multiforme a una ciudad como Caracas, donde los resquicios de la modernidad comparten terreno con el avance incesante de la naturaleza del trópico”.

Algo de ello –explica-, desea transmitir en cuadros como “Ragtime en Caracas”, de líneas geométricas inciertas, flotando en fondos celestes y rojos que no acaban por definir una geometría concreta, sino más bien jugar con la idea de la difusión de contornos, la superación y entramado de límites que nunca son del todo definidos.

Otros de sus títulos aluden a la impronta temática que maneja en esta serie: “Caracas solar”, donde la potencia de la luz que inunda la ciudad se cuela por intersticios que simulan muros y restos de paredes; “Sinfonía urbana/primer movimiento”, un juego de triángulos en danza; “Persiana caraqueña”, donde resquicios de luz solar se combinan con fuerte líneas concretas rojas; y “La trama celeste” son  otros de los títulos que conforman la serie. 

“Caracas, Sinfonía Urbana”, de Ezequiel Barakat, es una propuesta basada en  la relación entre arte y literatura sobre Caracas, que sigue a su última exposición individual “Escrituras vegetales”, inaugurada a inicios de este año, en el Centro de Arte de El Hatillo.

Algunas de las piezas están aferradas en el modernismo caraqueño, en un interesante juego visual que busca plasmar la abstracción de la delicada belleza y plasticidad de la ciudad de Caracas.


Ezequiel Barakat nació en Buenos Aires, Argentina (1970). Licenciado en Ciencias Políticas, con especialidad en relaciones internacionales por la Universidad de Buenos Aires.  En 1997 ingresó a la carrera diplomática.  Desde 1995, realizó diversos talleres de dibujo y pintura, de historia del arte y apreciación artística en Buenos Aires y en México,  DF, desde 1998 hasta 2005, donde se formó en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro, uno de los principales referentes del expresionismo abstracto en el país azteca.

Desde 2008 a 2012, residió en Turquía, donde desarrolló dos proyectos de exposición en la ciudad de Ankara y Estambul.

Desde 2012, reside en la ciudad de Caracas; en enero de 2015 presentó su última individual “Escrituras Vegetales”, en el Centro de Arte del Hatillo.  Su obra se encuentra en colecciones privadas y de instituciones públicas de Argentina, México, EEUU, Turquía y Venezuela.

La Exposición Colectiva “El Cono Sur a la luz del  trópico”, inaugura el año expositivo de la Galería de Arte  de la  CAF,  Banco de Desarrollo  de América Latina, ubicada en la Avenida Luis Roche, Torre CAF, de Altamira.  Abierto al público: lunes a viernes de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. - domingo de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.  Entrada libre.


La Galería CAF, es un espacio creado hace 17 años por CAF -Banco de Desarrollo de América Latina, que busca resaltar la polifacética naturaleza artística de los 18 países que integran la institución financiera latinoamericana, ofreciendo exposiciones que abarcan, desde las manifestaciones más genuinas de la creatividad popular, hasta las expresiones más elaboradas del genio artístico iberoamericano.

NY: Repertorio Español presenta Olga Oericet: Flamenco sin título a partir del 9 de abril

Repertorio Español se enorgullece en anunciar el gran regreso del flamenco y las danzas españolas con la llegada de la bailaora española Olga Pericet. Con esta nueva y celebrada estrella del mundo del flamenco, Repertorio continúa la tradición del flamenco y danzas ibéricas en el ambiente íntimo de su teatro de la calle 27, apoyando su misión como una institución cultural dedicada a presentar lo mejor de la cultura hispana en Nueva York.

Con su estreno, el jueves 9 de abril,"Olga Pericet: Flamenco sin título" mezclará lo tradicional de la danza flamenco con una técnica que solamente puede venir de una bailarina entrenada en una de las institutciones españolas mas aprestigiadas: El Conservatorio de España. Con una técnica de acero, Olga Pericet cautivará al público de Nueva York por sólo tres semanas.

"Olga Pericet: Flamenco sin título" incluirá pausas instrumentales con solos de guitarra a cargo de Antonia Jiménez y solos vocales a cargo de los cantaores José Ángel Carmona e Ismael Fernández.

  PÁGINA WEB: www.repertorio.nyc/olga


Licenciada en danza española y flamenco del Conservatorio de Córdoba y experta en baile contemporáneo, Olga Pericet es una de las figuras más innovadoras de la escena flamenca actual. Ha estudiado con grandes maestros de la danza española como Matilde Coral, Manolo Marín, Maica Moyano y José Granero, entre otros, y ha trabajado como solista y artista invitada en compañías como la de Rafaela Carrasco, Nuevo Ballet Español, Arrieritos, Miguel Ángel Berna, Teresa Nieto, Belén Maya y Ballet Nacional de España.

Ha compartido escenarios junto a figuras como Ana Laguna, Lola Greco, Nacho Duato, Enrique Morente, Isabel Bayon, Joaquín Grilo, Merche Esmeralda, y Carmen Cortes entre otras.

En 2004 estrenó como coreógrafa y solista en el espectáculo "Bolero, carta de amor y desamor", y un año después, junto a Manuel Liñáncreó el espectáculo "Cámara negra". Ese mismo año junto a Marco Flores y Daniel Doña fundó la compañía Chanta la Mui, realizando un montaje del mismo nombre.

Otros trabajos como coreógrafa son "Complot", su segundo trabajo con la compañía Chanta la Mui, estrenado en el festival La Otra Mirada del Flamenco; "En sus 13", mostrado en la XV Bienal de Flamenco de Sevilla; "De cabeza" (2009), su participación de coreografía para la compañía  de Teresa Nieto;"Recital" (2010), su tercer trabajo con su compañía Chanta la Mui; y "Bailes alegres para personas tristes", creado junto a Belén Maya y estrenado en el Festival de Jerez (2010), donde ganó el Premio Artista Revelación. Su trabajo en "Rosa Metal Ceniza", (2011) su primer trabajo solista, recibió una nominación a mejor interprete femenina de Danza en los XV Premios Max de las artes escénicas. También, su obra "De una pieza"(2012) estrenó como preludio a la cuarta edición del festival de flamenco Biennale en Holanda y el festival de Düsseldorf en Alemania.

Jueves 9 de abril, 2015 - 7:00 PM
Viernes 10 de abril, 2015 - 8:00 PM
Sábado 11 de abril, 2015 
 - 8:00 PM 
Domingo 12 de abril, 2015 - 2:30 PM
Jueves 16 de abril, 2015 - 7:00 PM
Viernes 17 de abril, 2015 
 - 8:00 PM
Sábado 18 de abril, 2015  - 8:00 PM
Domingo 19 de abril, 2015 - 2:30 PM
Lunes 20 de abril, 2015 - 11:00 AM - FUNCIÓN AGOTADA
Miércoles 22 de abril, 2015 - 11:00 AM - FUNCIÓN AGOTADA
Jueves 23 de abril, 2015 - 7:00 PM
Viernes 24 de abril, 2015 - 8:00 PM
Sábado 25 de abril, 2015 - 8:00 PM
Domingo 26 de abril, 2015 - 2:30 PM


NY: Guacamolink presenta ¿ Y ? Cuando la violencia irrumpe en la creación, marzo 29 2015

¿ Y ?

Cuando la violencia irrumpe en la creación.

El clima de represión y violencia que se desata en las zonas rurales se ensaña con los habitantes de los pequeños poblados andinos, que sobreviven en una situación “entre dos fuegos”: entre las balas de las fuerzas armadas y los grupos subversivos.

Una obra del director peruano Walter Ventosilla,, ganadora de varios premios internacionales. Con Jessica Fiori, George RiveronCarlos Solis y Emely Grisanty

  • Fecha: Domingo 29 de Marzo @ 3pm
  • Lugar: The Secret Theatre - 4402 23rd Street , NY 11101
  • Tickets $20 USD
Teléfonos (646) 450-8312 | Email info@guacamolink.com

Monday, March 16, 2015

NY: Tres voces, un espectáculo: CALLBACK de Teatro Círculo del 26 de marzo al 5 de abril, 2015

Láyel, interpretada por EdnaLee Figueroa
Ricardo Santana en El gran final

Omaira Garriga Casiano en Fucking Cold
CALLBACK series de Teatro Círculo muestra el trabajo de artistas independientes representados anteriormente en funciones limitadas.  Son obras breves que, por sus cualidades, ameritan ser mostradas en escena de nuevo para que el público tenga la oportunidad de apreciar sus logros.

Según José Cheo Oliveras, director artístico de Teatro Círculo, “En este programa piloto quisimos concentrarnos en piezas que no han tenido la oportunidad de exponerse lo suficiente.  Nuestro propósito es abrir un foro para que estas producciones tengan una segunda oportunidad de presentarse”.

En la edición de este año se presentan los unipersonales: Láyel de Joselo Arroyo, Fucking Cold de Nivia Marrero Rolón y El gran final de Ricardo Santana. 

“Las piezas fueron seleccionadas por recomendación de nuestro comité de programación, -afirma Oliveras- que asistió a las presentaciones originales o pidieron a varios artistas que presentaran sus trabajos al comité a manera de audición”.

En Láyel, interpretada por EdnaLee Figueroa bajo la dirección de Karina Casiano y de Edna Lee Figueroa, una mujer tímida sueña con un amor platónico al estilo de las novelas que devora.  Su deseo es tan grande que hace rituales mágicos; literalmente, el amor se posesiona de Láyel.  El montaje posee una gran dosis de humor con una excelente actriz que en escena muestra la lucha amorosa entre dos espíritus.  La pieza es en español con supertítulos en inglés.

Con Fucking Cold, Nivia Marrero Rolón debuta como dramaturga y directora.  Omayra Garriga Casiano tiene a su cargo interpretar a una estudiante caribeña cuyas aspiraciones se congelan cuando se sumerge en la nieve de Nueva York y el frío se apodera de ella. La música de la pieza está compuesta por Rody J. Huertas Ostolaza.  En inglés con supertítulos en español.

El gran final es escrita, dirigida e interpretada por Ricardo Santana.  La transgénero Cautiva Rexach es llamada a declarar como testigo en el juicio por asesinato de su mejor amiga.  En la búsqueda por la justicia, Cautiva se enfrenta a una rígida normativa social que busca invalidar su identidad.  En español con supertítulos en inglés.

El diseño de luces de CALLBACK es de María Cristina Fusté.  El diseño de escenografía es de Omayra Garriga Casiano.  La produccion general es de Teatro Círculo.

Para Oliveras, “Aparte de ser trabajos de artistas independientes que han tenido breve exposición al público de la ciudad, la conexión temática es la presencia de la voz marginada que narra estas historias”.  Voces de distintos matices y tonos. 

Desde el jueves 26 de marzo al domingo 5 de abril 2015. 
Funciones de jueves a sábados, 8:00pm; domingos, 3:00pm.
Boletos: estudiantes y retirados $20; entrada general $25.
www.teatrocirculo.org / Ovation Tix 866-811-4111

Teatro Círculo: 64 Este de la Calle 4, entre las avenidas Bowery y Segunda.  Trenes: 6, estación Astor Place; N o R, estación 8th Street – NYU; F, estación Second Avenue.

Wednesday, March 4, 2015

NY: Yoleros en Teatro IATI, del 19 al 22 de marzo

Foto: Gustavo Mirabile
Yoleros: viaje entre el mar y las ilusiones

Teátrica presenta, desde el 19 hasta el 22 de marzo, Yoleros, un viaje a las ilusiones de una vida digna.

Máximo resuelve la vida a través de diversos oficios: vendedor de lotería o guía en travesías en el Canal de la Mona, entre República Dominicana y Puerto Rico, para aquellos que buscan escapar de realidades sin futuro.  Junto con Demecio y Dinora, Máximo emprende un viaje a través del mar, de los números y los sueños.

Álex Vásquez Escaño es autor de Yoleros.  Su obra Cama para dos recibió el Premio Teatro IATI Taller de Dramaturgia Abdón Villamizar y fue publicada en Máscaras Errantes: Antología de Dramaturgos Dominicanos en los Estados Unidos. Yoleros fue publicada en 2014 en la antología Palabras acentuadas.

Para Vásquez Escaño, la pieza es una metáfora de la existencia: “Todos somos yoleros.  Buscamos, en un tiempo determinado de nuestras vidas, un nuevo comienzo”.  

La pieza es dirigida por Martín Balmaceda.  Martín, de amplia experiencia en la escena, tiene una maestría en teatro de Sarah Lawrence College y es miembro del Laboratorio de Directores de Lincoln Center.

Para Balmaceda, Yoleros “es muy importante, especialmente para aquellos que deciden emigrar y salir de sus países y encontrar un nuevo comienzo”.

“Creo que Yoleros –prosigue el director- nos lleva a este mundo que siempre está envuelto a la misma vez el humor y dolor”.

Balmaceda afirma que un reto de la obra es la incorporación de videos: “Estoy usando elementos de multimedia como proyecciones.  Trabajar con estas herramientas visuales en el teatro es algo riesgoso, pero creo que le dan otra dimensión teatral y única al espectador”. 

El elenco está conformado por tres jóvenes y talentosos actores.  Modesto Jiménez, Mathia Vargas y Sully Bonnelly (Premio ACE 2014) recrean las vidas de seres que arriesgan sus vidas al no tener nada qué perder.

Sobre el proceso, el director de origen chileno, afirma que: “Ha sido muy gratificante y creativo ya que en cada ensayo descubrimos nuevas cosas tanto de los personajes como del área de diseño

El diseño escénico es de Nehprii AmeniiEl vestuario es diseñado por José Luis MoralesHeyley Kasper está a cargo del diseño de luces; el regidor de escena es Fabián GonzálezEl sonido está a cargo de Joshua LangmanLas proyecciones son de Bettina HoffmannOscar Rivera es el diseñador gráficoBryan Ribeiro es responsable de la promoción.  Prensa y producción: Teátrica y Rosa Del Saz.

Yoleros, desde el jueves 19 hasta el domingo 22 de marzo, 2015.
Funciones: jueves y viernes 8:00pm; sábado y domingo: 3:00pm y 8:00pm.
Boletos: $20 Estudiantes / $25 General / https://web.ovationtix.com/trs/pr/943820

Teatro IATI: 64 Este de la Calle 4, Manhattan.