Desde el domingo 16 de octubre 2016: Seminario de Teatro y Tarot a cargo de Darío Soto

Desde el domingo 16 de octubre, de 11 am a 2 pmSeminario de Teatro y TarotPor el actor y director Darío SotoEn el laboratorio teatral Anna Julia Rojas

Un Seminario de Actuación con Cartas del Tarot, como una herramienta psicoartística, dictará el actor y director, Darío Soto, en cuatro sesiones, los domingos 16, 23, y 30 de octubre, y el 6 de noviembre, de 11:00 am a 2:00 pm; en la sede del Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas, ubicado en la Avenida México, a 50 metros de la Estación de Metro Bellas Artes, hacia el Hotel Alba Caracas.

El temario comprenderá: el Reconocimiento de los Arquetipos Jungnianos en el Cuerpo. Técnicas de Meditación. Musicoterapia y Aromaterapia para el Actor. Vinculación de Chakras y Personajes. Y Lecturas Grupales de Tarot. El teatro sobre los arquetipos de transformación del Tarot es una experiencia viva y una herramienta valiosa para actores, bailarines, directores… y para cualquier persona con inquietudes artísticas y deseos de conocerse.

Una herramienta psico-artística

Soto, investigador del uso de las cartas del Tarot como una herramienta psico-artística;en esta oportunidad, facilitará que los participantes vivan la experiencia de llevar al cuerpo las cartas del tarot, a partir de los arquetipos de la humanidad expuestos por Jung.

La unión del teatro y el tarot

Para Darío Soto, a su regreso de Buenos Aires, donde, durante los últimos cinco años, vivió, continuó y profundizó su formación en las artes escénicas; la unión de ambas artes puede ser considerada como una explosión de la conciencia, “vinculada con una vibración artística elevada, para poder cumplir los requisitos teatrales de divertir e informar”.

Soto considera que los símbolos y personajes del Tarot están presentes en cualquier obra de arte y que, además, son manifestaciones simbólicas del universo arquetípico del que forman parte las tradiciones religiosas, artísticas y culturales.

El seminario nos mostrará cómo el teatro sobre los arquetipos de transformación del Tarot es una experiencia viva y una herramienta valiosa para actores, bailarines, directores y, de igual manera, para cualquier persona con inquietudes artísticas y deseos de conocerse.

Las referencias de Soto

Las cartas del Tarot han sido objeto de diversos enfoques; el psicólogo Carl Gustav Jung (1875/1961) lo consideró como un lenguaje simbólico portador de un conocimiento psicológico y filosófico. Es decir, un mapa de los procesos y circunstancias ante los cuales nos topamos los seres humanos en el viaje por la vida. O mejor dicho, un lenguaje para la expresión de ideas psicológicas.

Por ello, “el Tarot, sostiene Darío Soto, es una herramienta que permite acceder a la información que yace en el inconsciente, brindando la oportunidad de desbloquear y reconectar con la improvisación y la creación de personajes, escenas y coreografías con lenguaje universal.”

Conocer a Darío Soto

En 2013, Darío Soto, fundó en la Ciudad de Buenos Aires la agrupación TeatroTarot, presentando Le Mat Hamlet Clown e ImproTarot en el Circuito de Teatro del Abasto, la Ciudad de La Plata y Montevideo.

Egresado de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, (UNEARTE) como Licenciado en Teatro, mención actuación; y del Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas; Darío Soto se ha formado con Brontis Jodorowsky, Rubén Cedeño, Dada Adad, Héctor Manrique, Felicia Canetti, Miguel Issa, José Antonio Varela, Dairo Piñeres, Leyson Ponce, Manuelita Zelwer y Anna Karina Gil.

Merecedor del Premio Municipal de Teatro Mención Honorífica Mejor Dramaturgia por DiscoPlay. Premio Rafael Ángel García Mejor Actor por los largometrajes El Enemigo y La Clase. Premio ELCO Mejor Guión por AZÚ, Alma de Princesa.

Los Pasos A Seguir

Inscripciones en la sede del Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas, ubicado en laAvenida México, a 50 metros de la Estación de Metro Bellas Artes, hacia el Hotel Alba Caracas. Costo: Bs 4000,00 (Cuatro mil bolívares). Información Tlf.(+58)(0212)5775366

dariosotorivero@gmail.com Inbox 0414 260 6002

Dramatugia venezolana: Mujermente hablando, de Mariozzi Carmona Machado.

Mujermente hablando (1999) es un texto original de Mariozzi Carmona Machado.  Fue estrenado por la compañía Luna y señas en Coyoacán, México en 2006; en su primera temporada se representó durante cinco años.  Una segunda producción, por la misma compañía, se estrenó en agosto 2016.

El texto plantea un tipo de representación despojada, íntima, pobre, sin artificios.  La autora propone un nivel elemental de teatralidad.  Las acotaciones señalan: “Nada de luces que atraviesan ventanas de utilería ni nada de eso” (2).  Lo espectacular da paso a la relación entre los personajes de La mujer y La otra.

Esta relación ha de ser seguida por l@s espectador@s quienes establecen la proximidad o distancia entre La mujer y La otra.  Puede ser una relación entre dos mujeres en lugares de enunciación diferente: una, disfruta de ciertos privilegios de clase media; la otra, se enfrenta a la vida en medio de desventajas.  Por otro lado, se puede interpretar como un ser escindido y fragmentado; dos partes de un mismo ser que monologa y que está en continuo conflicto lo que es apoyado por la frase de La otra: “Mírame como si te vieras en un espejo (20)”.

En la pieza, memoria y oralidad invocan malestar, un malestar que se corporeiza.  La mujer dice a La otra: “Te vienen los recuerdos… Hablas mucho.  Luego te llenas de gases…” (9).  Crecer en una sociedad heteropatriarcal deja marcas, el habitus de Bordeau; por eso, La otra comenta a su interlocutora: “Tienes esa forma de decir las cosas… de callar todo el tiempo… Te pareces a mamá (10).  Decir, callar.  Expresarse por medio de códigos permitidos; no decir la mala palabra que atente en contra de la esencia femenina.  Desesperado intento de reinventarse como Don Juana, para marcar algún tipo de equidad. 

La mujer tiene en casa a un monstruo.  La otra le recrimina: “…Y lo amparas, y lo acunas, y lo acaricias, y lo lavas, y le cortas las uñas, y lo proteges, y le hablas, y te ríes con él, y no lo olvidas, y sobre todo, lo amas, le amas, la amas, amas, amas, amas y amas…” (4).  El monstruo que agrede, que golpea, que exige silencio, es el monstruo que La mujer venera.  El monstruo al que ama, pero ¿cómo se define el amor: la práctica de la cotidianidad marcada por el afecto? ¿A través de la intensidad de la agresión?  

La mujer intenta no ser absorbida por el legado de generaciones ahogadas en ese decir-callar.  En ese diálogo-monólogo, intenta encontrar otros espacios de expresividad.  En la escena en la que el amante la agrede, ella replica a éste: “Yo misma soy mi ley” (8).  Quiere ser su ley y su credo porque también se rebela, parcialmente, a la religión como institución patriarcal que ha sometido al otro, en este caso a la mujer; la alternativa de confiar en los santos es válida “Siempre y cuando no la disfracen como la única” (3), ya que la retribución por los golpes en el mundo terrenal es el disfrute en un paraíso desconocido.

Mujermente hablando crea un espacio teatral en el que, de modo intimista, plantea una mirada del otro y de lo que se espera de éste.  Una mirada vigente y necesaria.

Mariozzi Carmona.  Licenciada en Teatro mención Cum Laude por la Universidad Nacional de las Artes, promoción de la cual fue el índice más alto. Escritora, locutora y directora del Teatro de Cámara de Maracay. Ha estudiado medicina, en la Universidad de Carabobo, y canto en el Conservatorio de Música del Edo. Aragua. Artes Escénicas en la Universidad Central de Venezuela. Se desempeñó por muchos años en el análisis de teatro, danza, ballet y ópera para diarios como El Siglo, El Aragüeño y El Periodiquito. Realizó estudios con Rodolfo Santana (CELARG), Néstor Caballero, Ugo Ulive, José Balza, Victoria D´ Stefano, Carmen Mannarino, Costa Palamides y Eugenio Barba (Odin Teatret) entre otros-as destacad@s artistas y docentes. Ha obtenido diversos premios en poesía, narrativa y dramaturgia entre los que destacan el Primer Premio de la Bienal venezolana Ramón Palomares, con el poemario Euraquilón, el Primer Premio Elena Vera, con el libro de poemas Huellas de mujeres de sol, menciones como la del José Rafael Pocaterra, con el poemario Antígona Hoplita, el de literatura Orígenes del Diario El Aragüeno, una mención especial en el Concurso Argentina-Venezuela de cuento Breve Rómulo Gallegos con “Cuba libre en un camarote con dos” y el 4to. Premio Bárbara Simon del Banco Interamericano de Desarrollo con su obra para teatro Preludio en Sol en Estados Unidos. El proyecto Iberescena patrocinó la escritura de su obra Mujeres de la historia y sin ella que quieren hablar. Su cuento Mujer sentada en cuarto menguante espera fue seleccionado por SOS Racismo Madrid para ser representado en España. Su obra Mujermente Hablando fue publicada en el año 2000 por la SOGEN en la Ciudad de México y estrenada en 2006 por la compañía Luna y Señas del mismo país con la dirección de Daniela Esquivel.  Ha obtenido diversos galardones entre los que destacan ser nombrada Patrimonio Cultural del Edo. Aragua, la Orden Ciudad de Maracay en 1era. Clase, La Orden Luisa Cáceres de Arismendi en su única clase y Medalla de Plata por mérito al Trabajo otorgada por el Consejo Nacional de la Cultura. Dicta talleres de literatura, así como de técnica vocal canto y elementos de actuación, puesta en escena y dramaturgia actoral. Fue Directora General y luego Artística del Teatro Ateneo de Maracay. Ha sido docente en diversas instituciones y agrupaciones teatrales. Ha obtenido distinción en Diseño de Iluminación en el Off Art Festival de Margarita en 2009 con Mariana Pineda de Estival Teatro. Fue Asistente de Dirección Artística y Asesora Vocal en la versión de Tartufo de Moliere, dirigida por Reynaldo Hidalgo, obra que reinauguró el Teatro de la Ópera de Maracay en 2015. En agosto 05 de 2016 en la Ciudad de México se estrenó nuevamente Mujermente Hablando, como homenaje a la autora bajo la dirección del español Domingo Ferrandis a través de las compañías Luna y Señas (México) y Sexto Sol (España).

NY: Teatro Círculo conmemora los 400 años de la muerte de Cervantes y Shakespeare con el estreno de MIGUEL WILL de José Carlos Somoza

 La obra que magistralmente une la gracia, el ingenio y la locura 

de Cervantes y de Shakespeare

se presenta del 14 al 23 de octubre en el Performing Arts Center de Baruch College.

La premiada compañía TEATRO CÍRCULO con sede en el East Village, NY y conocida por sus creativas puestas en escena de obras clásicas y contemporáneas, conmemora los 400 años de la muerte de Miguel de Cervantes y William Shakespeare con el estreno neoyorquino de la obra MIGUEL WILL del novelista y dramaturgo español José Carlos Somoza.

Considerado como uno de los renovadores de la novela de intriga en castellano, José Carlos Somoza rompe la barrera de los géneros en su obra de teatro MIGUEL WILL y sumerge al espectador en un brillante juego de espejos donde los personajes y el público no sólo comparten el mismo espacio si no también una autoría en común.

Para el autor José Carlos Somoza: "Don Quijote representa el molde exacto de una realidad que nos resulta común. Él, como personaje, permanece inalcanzable. Sin embargo, lo que nos cuenta se parece tanto a nuestra propia vida como la mano izquierda a la derecha".

MIGUEL WILL dirigida por el internacionalmente reconocido director Dean Zayas, presenta el conflicto que enfrentan Shakespeare y su compañía de actores al ensayar Cardenio (la última obra de Shakespeare) la cuál está basada en la famosa novela Don Quijote de la Mancha.  Al tratar de comprender las complejidades del famoso personaje de Cervantes, Shakespeare, como Don Quijote, pierde el juicio en escenas plenas de gracia.  En un fascinante juego de identidades el genio y el destino de ambos escritores se funden en una misma locura.

Esta producción cuenta con un estelar elenco de actores latinos liderados por Fermín Suárez (como William Shakespeare), Juan Luis Acevedo (como Burbage y Don Quijote), Andrés López Alicea (como John Fletcher), Eva Cristina Vásquez (como John Rice y criada), Johary Ramos (como Henry Condell), Omar Pérez (como Heminge y Sancho), Diana Chery (como John Rice y criada), Christopher Cuevas (como John Lowin) y Jean Carlos Rivera (como Alexander Cooke)  El diseño de luces está a cargo de Joan Racho-Jansen y la escenografía es de Israel Franco-Müller.  Harry Nadal es el asesor de vestuarios para esta producción.

ÚNICAS FUNCIONES del 14 al 23 de octubre en el Performing Arts Center de Barruch College en el 55 de la Avenida Lexington en Manhattan.  La obra se presentará en español con supertítulos en inglés.

www.teatrocirculo.org 

¿QUÉ?

Estreno en New York de MIGUEL WILL de José Carlos Somoza

¿CUÁNDO?

Del 14 al 23 de octubre del 2016

Funciones a las 8 PM los viernes y sábados

Funciones a las 3 PM los sábados y domingos

BOLETOS E INFORMACIÓN:

En línea: www.teatrocirculo.org

Teléfono: OvationTix  866 811 4111

PRECIO:

$30 Entrada general

$25 Estudiantes, personas mayores

$20 Grupos de 15 personas o más.

¿DÓNDE?

Performing Arts Center de Barruch College, Rose Nagelberg Theater en el 55 de la Avenida Lexington entre las calles 24 y 25 en Manhattan.  Trenes 6, R y N hasta 23rd St. Station.

Las temporadas teatrales de TEATRO CÍRCULO son posibles, en parte, gracias al generoso auspicio de NYC Department of Cultural Affairs (DCLA), NYS Council on the Arts (NYSCA), Con Edison, The Hispanic Federation y A.R.T. New York.

Caracas: Teatro Teresa Carreño, Sala José Félix Ribas, jueves 6 de octubre 5pm. “Argentina, reflejo y sol” de Ricardo Dimaria ,

El artista argentino, Ricardo Dimaria, presentará su espectáculo “Argentina, reflejo y sol”, que recorre el amplio espectro de la música de raíz folklórica argentina y el tango; fusionado con música latinoamericana y del mundo; acompañado por los músicos: Laureano Busse en guitarra, coros y charango, Sebastián Guillen en guitarra y coros, y Matias Garcia en la percusión; el jueves 6 de octubre, a las 5:00 pm, en la Sala José Félix Ribas, del Teatro Teresa Carreño.

Ricardo Demaria llega a Venezuela, en el marco de una gira donde participará en el VII Festival Nacional e Internacional Folklórico Yaracuy 2016, a realizarse en distintos escenarios de la ciudad de San Felipe, estado Yaracuy.

Conocer a Ricardo Dimaria

Ricardo Dimaria (Mendoza, Argentina) es músico, compositor, profesor de artes en música, y maestro mayor de obras; ha dedicado su vida a la música y a la docencia. Representó a la Argentina en Chile en el Festival Internacional de Viña del Mar 2015, con su Canción “Cuyanito bien plantao” elegida entre mil quinientos temas musicales de todo el mundo, en la categoría folklore.

En Colombia, participó en la edición 43 del Festival Folclórico Colombiano. Recientemente, obtuvo el primer premio de la categoría Canción Folclórica en el Trigésimo Sexto Festival de la Canción Latinoamericana de California, San Francisco E.E. U.U. con su canción “Reflejo de sol”.

Durante el año 2015, realizó una gira nacional en Argentina, que comenzó en el “Teatro Independencia” de Mendoza, Centro Cultural “Islas Malvinas” de Las Heras, el “Imperial” de Maipú; Teatro Municipal de Rivadavia, terminando en el Centro de CulturaEugenio Bustos del Valle de Uco. En el 2016 inició las presentaciones de su espectáculo Folklórico “Argentinitos”.

Ricardo Dimaria, designado Personaje del año 2015 por el diario Uno de Mendoza; además de ser reconocido con el premio Raíces de la ciudad de Buenos Aires, y con el Premio Escenario del diario Uno, en la categoría Folklore Arte Joven 2014, año en el que grabó su disco titulado Argentina, reflejo y sol, trabajo realizado con músicos de alto nivel como Oscar Puebla (producción artística y guitarra), Pablo Quiroga (producción artística y percusión) y Fernando Fana Martínez (en bajo, acordeón y piano).

Argentina, reflejo y sol, fue reconocido por la Honorable Cámara de Senadores de la provincia de Mendoza, declarándolo de interés cultural “por su aporte al acervo de la cultura musical de Mendoza y de Argentina”.

Como solista, ha compartido el escenario con Víctor Heredia, Pedro Aznar, Vicentico, Oscar D´León, Cat Stevens, Luis Fonsi, Ricardo Arjona, Alejandro Fernández, y Cultura Profética.

Con su Banda Barbazul, a la cual pertenece desde el año 1997, grabó 2 discos de estudio y participó también en diferentes Festivales como Cosquin Rock, Pepsi Music, Arte Rock y Mendorock, compartiendo el escenario con La Bersuit, La Renga, Rata Blanca, Los Pericos, Andrés Calamaro, Babasónicos, Nine Inch Nails, The Cult, Motley Crue, entre otros grandes artistas.

Su labor artística, ha sido también declarada de interés cultural por la Cámara de Diputados, la Cámara de Senadores de la provincia de Mendoza, el Honorable Consejo Deliberante y la Intendencia de Las Heras, en todas las resoluciones ha sido reconocido como embajador cultural de Mendoza y, por ende, de Argentina.

Dramaturgia venezolana: Reptil, de Luis Enrique Torres.

Reptil, obra en un acto, presenta la relación de tres personajes aislados en un espacio cerrado.  Las acotaciones describen el interior de una casa en ruinas en la que: “…se perciben varios cuadros de pintura tapados con telas sucias y algunos listones de madera.  El piso está lleno de polvo (…) Hay una ventana con cortinas desgarradas (…) Se respira una atmosfera asfixiante, envuelta en una densa capa de humedad” (3).  El arte, oculto tras telas, y el ambiente, de polvo y humedad, se encuentran y confrontan.   

En la casa viven Aurelio y Kane.  Aurelio es pintor y Kane es el asistente que procura los materiales y mercadea los cuadros del artista.  La ambición lleva a Kane a la usura, a la explotación; a tomar ventaja a través de lo que otros no tienen: las obras de arte de Aurelio.  El tercer personaje, Benjamín, entra en ese espacio buscando a Ana, su pareja, acción que perturba el precario equilibrio. 

Reptil presenta varios elementos que merecen ser explorados como los usos del lenguaje.  La primera parte se conforma de diálogos de imágenes sugerentes.  Posteriormente, la palabra reflexiona sobre la ideología de cada personaje y su relación con el contexto.

Los primeros parlamentos entre el pintor y su asistente son oscuros: recreación de la lengua, imágenes que remiten al movimiento representado por la imagen del mar, de la sangre.  En esos diálogos además hay referencias a lo que pasa en el afuera del espacio público.  En las calles del pueblo se “reproduce el pasado” y los “seres [están] jugando a ser víctimas” (3).  El mar y el continuo movimiento de las olas es metáfora de un pasado colectivo que se reproduce y que, como a la casa, lleva al pueblo a la ruina física y moral.

Los personajes temen al exterior.  La amenaza es constante.  Se escuchan disparos, ruidos, sirenas: “somos habitantes en un mismo territorio que no llega a un acuerdo” (25).  A ese riesgo se agrega otro: la contaminación de la región porque los habitantes apoyaron la creación de un relleno sanitario con material radiactivo.   La euforia les ha llevado a su propia aniquilación.

Repetidamente, se hace referencia a Ana. Ana como novia de Benjamín y habitante de la casa; Ana como imagen plástica que Aurelio crea.  La presencia de Ana está en los diálogos, en las discusiones que mantienen los personajes y es mostrada en fragmentos.

En Reptil la esfera pública incide en la esfera privada.  El clima de violencia hace que Benjamín entre en la casa donde supuestamente vivía Ana.  La presencia de Benjamín hace que Kane sienta que puede ser desplazado como asistente traficante por un aprendiz joven y honesto.

El texto presenta diversas aproximaciones a la realidad.  Para Aurelio es inminente la llegada de una pandemia.  El espectador decide si el pueblo, que ha ido quedando vacío, desaparecerá o si, en realidad, Aurelio ha decidido asumir como ciertos hechos falsos. 

Reptil es una pieza en la que el espectador tiene un rol participativo.  Entre otros, decide qué niveles de lo real son representados e interpreta las metáforas.  El dilema es el intento de desesperado de retomar el futuro, regresar al tiempo de los reptiles o desaparecer.

Luis Enrique Torres.  Nace en Villa de Cura el 31 de marzo de 1973. Durante su adolescencia realiza algunas actividades teatrales comunitarias y estudiantiles. Posteriormente ingresa a los Talleres de Formación del Teatro Estable de Villa de Cura, donde se desempeñó como actor, docente y director artístico. Como actor participa en producciones de esta y otras agrupaciones de reconocida trayectoria. Ha realizado diferentes cursos y talleres de Actuación, Dirección Teatral, Dramaturgia. Formó parte de la primera promoción de licenciados de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, institución donde cursó sus estudios universitarios de teatro. Actualmente se desempeña como docente en esa casa de estudios y realiza una Maestría en Teatro Latinoamericano en la Universidad Central de Venezuela.

Buenos Aires: Noche tan linda a partir del 14 de septiembre, 2016

Versión libre de la pieza del dramaturgo venezolano residenciado en Nueva York

Noche tan linda: la lucha por la identidad de género de Camelia Margarita en

DelBorde Espacio Teatral San Telmo, Buenos Aires

 

Una versión libre, dirigida por Romina Oslé, de “Noche Tan Linda”, (galardonada con los premios Proyecto Asunción, HOLA, y ACE; en la ciudad de Nueva York), de Pablo García Gámez, dramaturgo, poeta e investigador venezolano, se presentará a partir del miércoles, 14 de septiembre, a las 20:30hs, en DelBorde Espacio Teatral – Chile 630, San Telmo, Capital Federal - Buenos Aires – Argentina- Teléfonos: 4300 6201 Entradas: $150– En Alternativateatral.com o en la boletería del teatro.

La versión libre de Noche tan linda

El público porteño conocerá la versión libre de una obra, originalmente escrita por Pablo García Gámez, elegida por el colectivo de LugarOtro Estudio Teatral, que pasó por un proceso de deconstrucción que transitó sobre temáticas como las relaciones de la persona transgénero con su núcleo familiar, amigos; así como sus sueños, amén de la discriminación, la opresión y la pobreza que les toca vivir en muchos casos; hasta alcanzar la versión del texto, que se mostrará en DelBorde Espacio Teatral, a partir del miércoles 14 de septiembre a las 20:30 hs.

Noche tan linda, fue seleccionada por el colectivo de LugarOtro Estudio Teatral, luego de una intensa búsqueda, permitiéndoles lograr tres cosas: concretar 5 años de trabajo conjunto, ponerle el cuerpo al desafío que la temática de la obra plantea a nivel actoral y la reflexión sobre sus propias prácticas en tanto sujetos sociales. Luego de un año de trabajo colectivo de exploración y deconstrucción tomó forma esta versión libre.

Camelia Margarita sueña con poder ser y que la dejen. Eligió su nombre, a fuerza de impulso construyó a su propia imagen y semejanza. Pero, parece que eso tiene su costo. “Camelia” es una y también muchas. A todas las aúna la misma lucha: que su identidad sea respetada.

La historia de la humanidad parece arrojar a una especie de oscuro “Lado B” a quienes no entran en las clasificaciones establecidas. Así las Camelias Margaritas se enfrentan al mundo, cargando con su “monstruosa condición” erigida por la mirada de los otros, los del equilibrado “Lado A”. Camelia Margarita no pretende ser igual y ahí sale ella: diferente, nada que ver con nadie. Es un atentado contra la normalidad. ¡Lado B!

Ficha artística y técnica

El elenco artístico está integrado por: Hernán Gabriel Maldonado / Florencia Peralta / Lucía Clesi / Alumine Sanchiz Zabalegui/ Guadalupe Espinosa/ Martín Cuñarro. Escenografía y Vestuario: Eli Itovich. Diseño de Luces: Roberto Contreras. Diseño gráfico: Juan Pablo Rodríguez. Asesoramiento Sonoro: Pedro Donnerstag. Prensa: Natalia Vivas. Producción: LugarOtro Estudio Teatral. Asistente de producción: Rodrigo Holmberg. Asistente de dirección: Ana Iglesias. Dirección: Romina Oslé.

Romina Oslé y Lugarotro Estudio Teatral

Romina Oslé es actriz, directora y profesora de Artes en Teatro, graduada en la Universidad Nacional de Arte (IUNA). Ganadora del Premio Trinidad Guevara como Revelación Femenina (2013) por su rol en “Vago” de Yoska Lázaro (Teatro del Abasto 2013 / 2015 y X Edición del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires).

Actualmente dirige al Elenco LugarOtro en la obra “Debe ser el humo” en cartel en La pausa teatral. Dirigió una versión libre de “El Puente” de Carlos Gorostiza (Espacio Urbano 2014); una versión libre de “Desde Adentro” de Beatriz Mosquera (Espacio Urbano 2013) y “Un Culebrón Teatral”.

Como actriz participó en “Descansa” de Pilar Ruiz (Teatro La Pausa Teatral. 2016) “Materia Oscura” (CCSM Sala Alberdi. Teatro x la Identidad 2015),“RES” (Teatro Nacional Cervantes. 2013); y “Los Errores de Noé” (Teatro Timbre4. 2011), entre otras.
Su experiencia como docente comenzó hace más de diez años, interesándose en la formación de actores. Dirige su Estudio Teatral “LugarOtro” creado en Abril de 2010.

LugarOtro es un Estudio Teatral, fundado y dirigido por la actriz y docente Romina Oslé. A partir de 2012, se incorporan al equipo docente las profesoras Pilar Ruiz y María Picasso, egresadas del Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA).

LugarOtro ofrece una estructura de formación integral durante cinco años. Luego de los primeros años de iniciación, de profundización y de entrenamiento, se llega a 4to año, donde se trabaja a partir de la elección grupal de una obra teatral que luego se utilizará como punto de partida (disparador) y como punto de llegada (puesta en escena), dando por resultado una versión libre de la obra seleccionada. Por último en 5to año, si el autor de la obra original autoriza la versión libre, trabajarían en la realización de un espectáculo teatral que forme parte de la cartelera teatral del circuito off de Buenos Aires.

Pablo García Gámez

Recientemente, "Yo no soy Lupita" de Pablo García Gámez se alzó con Tres Premios Hola Awards 2016, en Nueva York. Poco antes, en mayo, Olvidadas, otra de sus obras, se llevó los galardones de Mejor Dramaturgia, Mejor Producción, Mejor Dirección y Mejor Actriz en el I Festival LGBTQ de Teatro Hispano FUERZAFest.

Pablo García Gámez, dramaturgo, investigador y profesor adjunto en Brooklyn College y City College, recientemente finalizó sus estudios doctorales en el Departamento de Lenguas y Literaturas Hispana y Luso-Brasileña en The Graduate Center, CUNY, Nueva York; es dramaturgo, investigador y profesor adjunto en Brooklyn College y City College.

Su pieza “Blanco” ganó el concurso Proyecto Asunción 2004 de Teatro Pregones; y los premios HOLA y ACE del año 2006, convirtiéndose en el primer autor en ganar, simultáneamente, los dos últimos reconocimientos.

 El pasado 2015, le deparó a Pablo García Gámez, el estreno en Nueva York, de su deliciosa comedia “Las damas de Atenea”, una obra de referencias cabrujianas que cuestiona el rol del artista como ser marginal en la sociedad actual. Ganadora del premio de dramaturgia que otorga la Hispanic Organization of Latin Actors (HOLA); presentada en la temporada invernal de Teatro TEBA, en el Broadway Blackbox Theater. Nominada a los premios ACE 2016.

 El año pasado, Casa las Américas de Cuba lo invitó para que en La Habana, en un coloquio llamado “Más allá de los bordes y las fronteras”, hablara sobre el teatro hispano, específicamente sobre la dramaturgia y como desde el escenario los latinoamericanos crean la memoria de la comunidad en la cosmopolita Nueva York; oportunidad en la disertó sobre el significado y los aportes a la literatura teatral de “Noche tan linda”. En los actuales momentos, Prepara un proyecto de docencia teatral universitaria, sobre el teatro hispano en Nueva York.

Para ver Noche tan Linda

Funciones: miércoles 20.30hs
DelBorde Espacio Teatral – Chile 630, San Telmo.
Entradas: $150 (ciento cincuenta pesos)– En Alternativateatral.com o en la boletería del teatro. Reservas Teléfono +54 11 4300-6201