La primavera, los cambios y la esperanza

 

La primavera, los cambios y la esperanza 

Pablo García Gámez

Suben las luces del escenario y los espectadores están frente a una mujer que hace ejercicios de meditación.  Ella escucha una grabación de autoayuda y los consejos o decretos de una voz que no a pocos refranes le echa mano, lo que advierte al espectador que algo extraño e importante le pasa al personaje.  Poco después, ese algo se transforma en temas relevantes: una mudanza inevitable, el tiempo, el cuerpo.

El apartamento en que ha vivido el personaje durante quince años debe abandonarlo a final de la primavera a causa de la gentrificación que echa mano a los espacios de Nueva York.  En ese lugar ha vivido momentos hermosos y de dolor.  Los recuerdos se han apoderado del hogar convirtiendo el espacio en la memoria física del personaje, el refugio de su identidad. 

Por otra parte, ella está consciente del paso del tiempo.  En una escena comenta llegar a una edad donde se tienen más recuerdos que ropa, lo que se conecta con el cuerpo: ya no es la mujer hábil de 25 años sino una premenopáusica alerta: su cuerpo, cuerpo femenino que mensualmente sufre malestares debido a la menstruación, entra a una nueva etapa con otras complejidades a las que debe adaptarse.

Primavera ya no hay más, escrita e interpretada por Caridad del Valle, propone un paralelismo entre el hecho de dejar el apartamento y el cuerpo: así como hay que buscar otro hogar, así también el cuerpo cambia: para ambos, la estación termina para comenzar otra.  La duda estriba en si el cambio llega con las cintas de autoayuda, con la terapista cuya función es asentir moviendo la cabeza o si la mujer se decide a enfrentar la realidad por sí misma.

La autora ofrece un texto de ritmo ágil.  Va a los extremos para mostrar desde actitudes absurdas que asumimos en la cotidianidad hasta el dolor de la pérdida, todo ello con reflexiones sobre el efecto del tiempo en el cuerpo.  Incluso, el cuerpo es contrastado con otro cuerpo adulto cuando el personaje describe el placer de mirar al Naked Cowboy.

La pieza plantea un diálogo sobre distintos aspectos que afectan al ser humano: es colectifcción, término acuñado por la académica Priscilla Gac-Artigas, para aquellas obras literarias en el que yo, en este caso el personaje, se convierte en nosotros porque se comparten vivencias comunes; en este caso, a través de las transformaciones del cuerpo femenino.

Además, Caridad del Valle en Primavera ya no hay más muestra sus posibilidades como actriz: natural en la comedia, con fuerza en el drama.  Su talento genera energía, energía que se traduce en dominio del cuerpo, gestos, transiciones: es estar frente a un hecho estético que constantemente llega al espectador para llamar a reflexión.

El montaje se caracteriza por su sentido minimalista.  La escenografía diseñada por Omayra Garriga está enmarcada en telas al fondo que hacen de ventanas.  En escena una maleta, una lámpara de pie, una silla; también de Garriga es la iluminación que apoya el hilo narrativo de la historia.  El diseño de sonido de Zulema Clares es efectivo para incorporar al montaje voces y repiques de teléfono.

Primavera ya no hay más es dirigido por Leyma López.  La directora potencia el potencial de Caridad para llegar al límite y dar un carácter único a este trabajo.  Además, explora el espacio para brindar balance entre el cuerpo y la escena.

Con el discurso, el espacio, la interpretación actoral y la producción no hay más primavera: llega otra estación con incertidumbres y esperanzas.   

Las mariposas resisten

 Las mariposas resisten

Pablo García Gámez 

Del 26 de septiembre al 5 de octubre de 2025, en Teatro IATI, 64 Este de la Calle 4 en Manhattan, se presentó Todas las mariposas negras mueren en el mar, texto original de Heny Roig Monge.  A propósito, Teatro IATI progresivamente ha ido definiendo una línea estética orientada hacia trabajos experimentales de autores en emergentes, principalmente hispanos y latinoamericanos, acompañados de creadores escénicos y actores locales emergentes.  De esta manera, la agrupación amplía el abanico de posibilidades de la cartelera latina en el teatro neoyorkino.

La pieza de Roig Monge muestra el sujeto femenino en la lucha contra su fragmentación.  Fragmentación de hace siglos.  Lucha para abolir el rol de subalterna: en la representación la mujer no tiene “…que escribir porque ya está escrita”.  En su cuerpo se escribieron leyes, normas, deberes, funciones y silencios por lo que hay que aprender a ser mujer.  Parafraseando a uno de los personajes, “Yo soy la que debo cambiar” para mejorar la relación de pareja.

Un acierto del texto es que subraya la pluralidad del sujeto femenino: no todas buscan ser madres. no todas se rehúsan a ello, brindando así múltiples puntos de vista; por otra parte, Roig Monge también expone características comunes que dan el sentido de sororidad: en la encuesta sobre la experiencia de los personajes, todas afirman que, a pesar de tener los mismos méritos que sus pares masculinos, todas han pasado por momentos en que han sido desplazadas en el aspecto laboral por el sexismo endémico.  La forma del texto es tan fragmentada como el sujeto que representa. 

La propuesta escénica tiene un carácter experimental donde alternan danza y teatro.  Gestos, movimientos, palabras, silencios sugieren múltiples lecturas lo que se enriquece a nivel plástico con el uso de otros medios como el video.  Además, en este trabajo se exploran otros idiomas como la lengua de señas que sirve, base para explorar un fragmento del texto creando un momento de impacto visual.  Otro segmento, el de las sillas alineadas, desarrolla un movimiento coreográfico repetitivo junto a un texto que mientras se repite hasta desaparecer la palabra.

El elenco muestra un carácter colectivo con excelentes actrices como Carmen Álvarez, Antígona González, Sandie Luna, Sonia Mera y Georgina Saldaña. Resulta interesante la intensidad que imprimen en sus solos y en la labor en colectivo.

El trabajo cuenta con la iluminación de Omayra Garriga Casiano, el vestuario diseñado por Luisa Portuondo, el diseño de proyecciones de Nicole Fernández y el diseño de sonido de Sophie Yuqing Nie.  La dirección de Antígona González y sarAika movement collective hace de ésta, una experiencia visual y conceptual, que invita al diálogo con la audiencia que observa cómo las mariposas resisten.

NY: Cuarto Adentro y su doble valor

 Cuarto Adentro y su doble valor

Pablo García Gámez

En escena, Álex y Fer están en un espacio que constantemente adquiere cambia de significado.  El espacio puede ser un dormitorio, una sala, un consultorio, un ring de lucha libre, una calle… la mente.  Por la reclusión, la cambio la cotidianidad de Álex; es separada de su comunidad lo que afecta su estabilidad emocional.  En tiempos de pandemia y postpandemia son notorios la soledad, la ansiedad, el retraimiento, el cansancio, los pensamientos destructivos y la lucha en contra de ellos.  Es su cuarto adentro.

La vida de Álex cambia: se levanta a las tres de la tarde y llora cuando come, entre otros comportamientos particulares lo que Fer intenta corregir.  El aislamiento de la pandemia opera un cambio radical.  Ante esa situación insólita, Álex lucha para crearse una manera de vivir, o sobrevivir.

La dramaturga Alejandra Ramos Riera saca del cuarto y sube a escena el mundo de Álex con la madeja de pensamientos que se entrecruzan y entre los que está la imagen de Fer, creado para tratar de entender lo que ocurre.  El tema de la salud mental y su desequilibrio es conocido por la autora quien participó en el festival FuerzaFest (2019) con Saben a-mar, texto donde la salud mental se enfrenta a políticas erradas. En Cuarto Adentro, Ramos Riera utiliza el tono de humor para crear camaradería con la audiencia, para que muchos espectadores identifiquen y caigan en cuenta que han pasado por ello y que tal vez se inhiben de contarlo.

Por otra parte, Ramos Riera escribe una pieza necesaria más allá de la pandemia.  A comienzos de 2025 hay cambios en la política estadunidense que afecta a gran parte de la población y, en específico, a la comunidad hispana.  La persecución y la criminalización en contra de los indocumentados, los asilados e incluso residentes, las imágenes en la televisión, los influencers en las redes sociales, las amenazas de invasión hacen que recurramos a la presencia de Álex para tratar de entender la realidad y entendernos a nosotros mismos.  Por ello, el texto de Ramos Riera es necesario en su plasticidad y en su contenido: texto de excelente teatralidad y herramienta útil para reflexionar sobre la salud mental colectiva e individual.

En la dirección Mario Colón propone un trabajo de apariencia simple y expresividad compleja.  En una tarima de unos cuatro metros cuadrados y con dos cubos rojos se desarrolla la obra con la iluminación de Maria Cristina Fusté, caracterizada por la plasticidad que brinda a la escena.  Colón propone a los actores explorar las posibilidades dramatúrgicas del cuerpo para crear las imágenes de Álex propuestas por la dramaturga. 

El elenco está integrado por Nicole Betancourt y Anthony Mejías.  Ambos se permiten el riesgo de explorar ese mundo y llevarlo al límite y de ese modo crear diversos estados de ánimo. Las transiciones, mayormente desarrolladas por Betancourt, seguida por Mejías, hace del montaje un trabajo que genera energía hacia la audiencia que a su vez centra su atención en la escena.

Cuarto Adentro tiene doble valor: es un trabajo de valor estético en sus diversos renglones y que dialoga con la comunidad.

 ¡Teatro SEA presenta su temporada de otoño de 2025! ¡Teatro para todos!

Mientras continúan las renovaciones en el Centro Cultural Clemente, Teatro SEA trae clásicos infantiles, obras nuevas y audaces, y noches de cabaret a nuestro escenario íntimo, Punto SEA.

 

Teatro SEA, el principal Teatro Latino para Niños y Niñas del país, bajo la dirección artística del Dr. Manuel A. Morán, se complace en anunciar su temporada de otoño de 2025, repleta de funciones bilingües, música y nuevas obras teatrales para niños y adultos.

Aunque el escenario principal de Teatro SEA permanece cerrado debido a las renovaciones en el Centro Cultural y Educativo Clemente Soto Vélez, la compañía seguirá ofreciendo al público una programación vibrante. Las funciones de este otoño se presentarán en Punto SEA, su íntimo café-teatro y espacio de cabaret, que se ha convertido en un oasis creativo durante el período de renovación.

La temporada comienza el 20 de septiembre con el regreso de una de nuestras obras favoritas, La Verdadera Historia de Caperucita Roja. En noviembre, el público disfrutará de Los Colores de Frida, una celebración bilingüe de la legendaria artista, que regresa a casa después de más de 50 presentaciones el año pasado. Diciembre trae nuestro clásico de fin de año, Sueño de Reyes, que dará paso a la icónica Celebración del Día de Reyes el 6 de enero.

Un momento destacado de la temporada es el estreno del nuevo concierto-lectura musical latiné Sueños de Telenovela, presentado en colaboración con Pregones/PRTT. Este musical vibrante y cómico rinde homenaje al mundo de las telenovelas latinoamericanas, combinando drama, romance, fantasía y música en una conmovedora historia sobre la ambición, la familia y la identidad.

Este otoño también regresa BORIMIX 2025, el festival más grande de la ciudad dedicado al Mes de la Herencia Puertorriqueña, producido en colaboración con Teatro LATEA, The Clemente y CENTRO. La edición de este año tendrá a Argentina como país invitado. La participación de Teatro SEA incluye MicroTeatro, que trae de vuelta las obras Todo lo que Pasó y El Reencuentro.

En diciembre, Teatro SEA también será sede del Festival El Barrio Children's Film Fest, organizado por Hispanic Federation, que celebra su 12.ª edición con películas gratuitas, manualidades y programación familiar. Mientras tanto, las noches de cabaret de Punto SEA presentarán talento latino para el público adulto algunos viernes.

“Aunque nuestro escenario principal se encuentra en plena renovación, nuestro compromiso con el público se mantiene firme. Punto SEA se ha convertido en un espacio íntimo y creativo donde podemos seguir compartiendo historias que celebran nuestra cultura y comunidad. Este otoño, nos enorgullece presentar una temporada que conecta generaciones, desde clásicos infantiles hasta nuevas y audaces obras como Sueños de Telenovela. Invitamos a todos a visitarnos en nuestro espacio de cabaret mientras mantenemos nuestra misión viva y próspera”, comentó el Dr. Manuel A. Morán, fundador y director artístico.

Para obtener entradas y más información, visite www.teatrosea.org o síganos en redes sociales.

Nota: Los eventos tienen aforo limitado. Es necesario confirmar asistencia.

Programación completa:

La verdadera historia de Caperucita

Septiembre 20 - Octubre 25, sábados a las 3p.m.

Recomendada para mayores de 4 años Boletas: $20 Prepárate para reír, cantar y bailar con nuestra versión latinizada de Caperucita Roja, que trae su humor, chispa y valentía para enfrentarse al Lobo y a los animales del bosque en sus propios términos.

 

Punto SEA

Yolanda Báez, Septiembre 26

Cappella Sur, Octubre 10

Esas Noches Tangueras, Octubre 18

Puppets Come Home, Octubre 24

GOTA (LGBTQ+ Cabaret), Noviembre 1

Bari-TINOS, Noviembre 8

Diana López, Diciembre 12

Fuego en la C, Diciembre 19

Todas las presentaciones son a las 8p.m.

Recomendado para adultos 18+

Boletas: $25

Los Colores de Frida

1 y 8 de noviembre, Sábados a las 3p.m.

Recomendada para mayores de 4 años

Boletas: $20

La historia de Frida Kahlo, una de las pintoras más famosas de la historia, se narra a través de la música y los títeres en esta colorida producción bilingüe. Tres actrices, que representan diferentes momentos de la vida de Frida, nos presentan su arte y a algunos de los muchos personajes que formaron parte de su singular historia.

 

MicroTeatro en BORIMIX

14 y 15 de noviembre a las 8p.m. 16 de noviembre a las 3p.m.

Recomendado para adultos 18+

Boletas: $25

Por demanda popular, y como parte de BORIMIX, traemos de vuelta dos de las obras de nuestro Director Showcase de Primavera. Todo lo que pasó, dirigida por Martín Chamorro, y El Reencuentro, dirigida por Anksel Tang, volverán en una función doble, destacando el talento de estos dos directores argentinos.

 

Sueños de Telenovela (Lectura dramática y concierto)

Noviembre 22 a las 8pm, y noviembre 23 a las 4pm

Pregones PRTT 575 Walton Ave, Bronx, NY 10451

Evento gratuito A vibrant new musical that dives into the outrageous world of telenovelas—where secrets unravel, lies collide, and dreams blur with reality.

 

El Barrio Children’s Film Fest

Diciembre 5, 6 y 7

Para todas las edades Evento gratuito

El 12.º Festival Anual de Cine Infantil El Barrio, organizado por Hispanic Federation en colaboración con Teatro SEA, se celebrará los días 5, 6 y 7 de diciembre. La entrada es gratuita para todos. Un evento alegre para toda la familia, con manualidades y películas que estimulan la imaginación y la risa.

 

Sueño de Reyes

Del 13 de diciembre al 3 de enero, sábados a las 3p.m. Domingo 4 y Lunes 5 de enero a las 3 p.m. Recomendada para mayores de 4 años

Boletas: $20

Este clásico navideño usa villancicos tradicionales latinoamericanos para contarnos la historia del año en que, en lugar de seguir la Estrella, los Reyes Magos decidieron usar el GPS. En lugar de llegar a Belén de Judea, esto los llevó a la casa de Jesús Rodríguez, un niño del Barrio Belén de Trujillo Alto, Puerto Rico.

 

Celebración del día de los Tres Reyes Magos

6 de enero

Para todas las edades

Evento gratuito

Acompáñenos al Teatro SEA en esta importante festividad para conocer a los Reyes Magos (y Reinas) mientras entregan regalos a niños de todo Nueva York. Este evento gratuito incluye un obsequio para niños menores de 12 años.

 

¡Acompáñanos para una temporada inolvidable!

Para reservar boletas y obtener más información, visita www.teatrosea.org o síguenos en nuestras redes sociales. ¡Nos vemos en el teatro! Eventos con aforo limitado.

 

TEATRO SEA SERIES WEB

¡SEA Kids Network es nuestro canal de YouTube!

El Calendario de Nunito

Recomendado para niños de 3 a 10 años. Ubicación: SEA Kids Network - Canal de YouTube Acompaña a Nunito, un niño extraterrestre que llega al planeta Tierra para aprender sobre los humanos, en un viaje a través de fechas históricas, celebraciones culturales y festividades a lo largo del año. ¿Por qué celebramos el Día de Acción de Gracias y el Día de la Independencia? Únete a Nunito y aprende sobre el significado de estos días especiales.

El Avión

Recomendado para niños de 3 a 10 años. Ubicación: SEA Kids Network - Canal de YouTube Súbete a El Avión, una serie web bilingüe con una banda musical diseñada para empoderar a niños inmigrantes. Vuela y canta, día y noche, en esta aerolínea de humanos y monstruos. Cada episodio presenta a la tripulación en sus viajes, interactuando en encuentros divertidos y ofreciendo soluciones perspicaces a problemas actuales. ¡Pon tu bandeja en posición vertical y prepárate para un divertido viaje de títeres, música, danza, teatro y animación!

Acerca de Teatro SEA

Fundada en 1985, SEA (Society of the Educational Arts, Inc.) es la principal organización bilingüe de artes en la educación y teatro infantil latino en Estados Unidos. SEA ha creado y producido una combinación de producciones teatrales educativas y talleres/programas de arte diseñados específicamente para examinar, cuestionar y crear posibles soluciones a problemas educativos, sociales y comunitarios actuales. Sus programas, reconocidos internacionalmente, incluyen presentaciones escolares, al aire libre, comunitarias y en escenarios principales, talleres y residencias, entre otros, llegando a más de 75,000 niños y jóvenes cada año. La organización, fundada por el Dr. Manuel A. Morán, actualmente tiene oficinas en San Juan, Nueva York y Florida. Teatro SEA tiene su escenario en el Centro Cultural y Educativo Clemente Soto Vélez en el Lower East Side de Manhattan. Más información en teatrosea.org

Sumérgete en el drama: DE NOVELA, un concierto inspirado en telenovelas presentado por Boundless Theatre Company

 

Nancy Millán

¿Recuerdas esa canción que te hizo llorar en el último capítulo? ¿Ese bolero que cantaste frente al espejo, soñando con un amor prohibido? Este es ese concierto — donde el drama es real, la nostalgia es profunda y donde no queda otra que cantar las canciones a coro.

Jomel Rivera (izq) y Gilberto Gabriel (der.)

Sumérgete en un mundo de pasión, intriga y melodías inolvidables con la cantante, actriz y compositora puertorriqueña Nancy Millán, que te invita a DE NOVELA, una experiencia de concierto única inspirada en la época dorada de las telenovelas. Con los artistas puertorriqueños invitados Jomel Rivera (guitarra) y Gilberto Gabriel (percusión), y canciones interpretadas en español e inglés, este viaje nostálgico te conmoverá y despertará recuerdos de personajes icónicos, giros dramáticos en la trama, y la música y canciones entrañables de los 80 y 90 que nos enamoraron en cada capítulo.

Boundless Theatre Company presenta DE NOVELA este 18 y 19 de julio de 2025 a las 8:00 PM en el Julia de Burgos Performance and Arts Center ubicado en 1680 Lexington Avenue (entre las calles 105 y 106) y accesible para personas con discapacidades. El diseño de escenografía es de Omayra Garriga Casiano, el diseño de iluminación de María Cristina Fusté y la regiduría de escena es de Daniela Salazar.

Consigue tus boletos en boundlesstheatre.org/events/de-novela/

Boundless Theatre Company es una organización dirigida por diseñadoras y diseñadores que busca investigar, ampliar y redefinir los límites de la narrativa teatral. Liderada por mujeres, personas teatreras latinxs y otras personas teatreras de color, la compañía se esfuerza por promover voces interculturales, presentando interpretaciones estéticamente desafiantes y visualmente fascinantes de trabajos nuevos y otros ya existentes.

Más que un concierto, te sentirás como si estuvieras en el estudio de una telenovela. Con una puesta en escena envolvente y el estilo artístico característico de Nancy Millán, en DE NOVELA, estos éxitos atemporales se reinventan a través del lente tan único de la Millán — combinando su potente voz, narraciones emotivas y teatralidad. Ya sea que hayas crecido frente a la pantalla del televisor o estés descubriendo estas canciones por primera vez, este gran evento promete un homenaje rico, divertido y sincero al género que definió la cultura pop latina.

Nueva York: Arte Pa Mi Gente 2025: 2º Festival de Música Infantil Latiné

 

9 de Agosto, 1-5PM @ The Clemente

¡Teatro SEA celebra el 2.º Festival de Música Infantil Latiné 

en su evento anual Arte Pa’ Mi Gente!

Evento gratuito al aire libre que incluirá a la galardonada artista Lucy Kalantari, mariachi juvenil, bomba, y mucho más

El próximo sábado 9 de agosto de 2025, de 1:00 pm. a 5:00 pm., Teatro SEA invita a las familias de toda la ciudad de Nueva York a disfrutar de una tarde llena de música, danza, cultura y comunidad en Suffolk Street (entre Rivington y Delancey), como parte de su festival de verano Arte Pa’ Mi Gente y la celebración del 2.º Festival de Música Infantil Latiné.

Este evento gratuito al aire libre contará con una emocionante cartelera de artistas enfocados en la música y cultura infantil latina. La invitada principal de este año es la reconocida artista, ganadora de múltiples premios Grammy, Lucy Kalantari, famosa por su música para niños alegre e inspirada en el jazz. Kalantari compartirá el escenario con una vibrante mezcla de jóvenes talentos y artistas invitados especiales.

Entre los actos destacados se encuentran:

- El Ensamble Juvenil de Bombazo Dance Co., con presentaciones de bomba puertorriqueña tradicional con baile y tambores en vivo.

- La aclamada Academia de Mariachi de Nueva York, representando a la nueva generación del mariachi.

- Simón Cifuentes, joven cantante virtuoso y semifinalista reciente de La Voz Kids Colombia

- El grupo musical infantil bilingüe de Teatro SEA, El Avión–The Airplane, con la participación especial de Little Pilot (Manuel Gabriel) y la querida mascota de SEA, Nunito

Además de las presentaciones musicales y de danza, el evento incluirá talleres de arte y manualidades, regalos gratuitos, sorpresas y muchas actividades para disfrutar en familia.

“La respuesta al primer Festival de Música Infantil Latiné fue increíble", comentó el Dr. Manuel A. Morán, fundador y director artístico de Teatro SEA. “Este año estamos muy emocionados de presentar una programación aún más dinámica, con artistas y jóvenes talentos que celebran nuestra cultura a través de la música. Seguimos comprometidos con ofrecer experiencias artísticas bilingües accesibles y llenas de alegría.”

Este evento es posible gracias al generoso patrocinio de la Oficina de Medios y Entretenimiento del Alcalde de Nueva York (MOME), bajo la dirección de la Comisionada Patricia Swinney Kaufman, y al apoyo de los miembros del Concejo Municipal: Hon. Christopher Marte (Distrito 1), Hon. Carlina Rivera (Distrito 2), la Presidenta del Concejo Hon. Adrienne Adams y la Delegación de Manhattan del Concejo Municipal de la Ciudad de Nueva York.

Detalles del Festival:

Fecha: Sábado 9 de agosto de 2025

Hora: 1:00 pm. – 5:00 pm.

Lugar: Suffolk Street (entre Rivington y Delancey), frente al Centro Cultural Clemente

Entrada: ¡GRATIS para todas las edades!

Nueva York: Cimientos 2025, sesión 4 (y final), Teatro IATI

En la última sesión de lecturas dramatizadas de Cimientos, realizada el 22 de junio de 2025, se presentó Mami, de isi bhakhomen, en Teatro IATI, 64 Este de la Calle 4 en Manhattan.  

De los trabajos del investigador Richard Schechner se infiere que cada espacio tiene su vanguardia o propuestas que trasgreden las normativas locales; también se infiere que los grupos y comunidades tienen sus vanguardias. Mami puede considerarse expresión vanguardista por ser una historia contada de manera original por una mujer que busca su espacio en el mundo.  Canadiense de ascendencia afroperuana, la limpiadora de oficina y artista que aspira ser la nueva Basquiat, hace un recorrido por las mujeres de su familia y los diversos enfrentamientos generacionales. El carácter de la pieza lo define el mismo texto: “poema, spoken word, actuación, danza, canción… un grito, una llamada”.

La lectura se inicia con la proyección en pantalla de Victoria Santa Cruz, pionera de la expresión escénica afroperuana, haciendo un recital-danza con el texto “¡Me gritaron negra!”.  El video contextualiza al espectador que está frente a una mujer que pertenece a un grupo humano que históricamente ha permanecido en la alteridad.  Este espectador está frente a la diferencia que Franz Fanon relata en sus escritos donde reflexiona sobre el niño que por su piel asume el rol de otro -y no el de héroe- cuando lee los cómics.  Sin embargo, la voz de Mami es la de una mujer que de niña es criada por su madre.  Madre que va a trabajar al consulado peruano de Canadá y es vendida, como objeto, a una granja.

La limpiadora de oficina durante su infancia y juventud no tiene idea de qué es; solo sabe que tiene potencial como artista plástica.  Mientras tanto, encuentra un oficio mal renumerado porque hay que pagar las cuentas.  La limpiadora tiene diversos encontronazos con Mami por el trabajo que tiene y por la “muerte” del padre en Nigeria.  Muerte metafórica en muchas partes del continente porque es frecuente que el hogar sea organizado como matriarcado: el padre “muere” para que la hija no se sienta abandonada o rechazada: ya bastantes problemas hay con sobrevivir.   

La dirección de Sandie Luna organiza el espacio de una manera minimalista: al fondo y a la derecha del espectador Erika Kika Parra toca el cajón peruano mientras que a la izquierda Ángela Reynoso lee las acotaciones y a otros personajes quedando Yohanna Florentino al centro adelante del escenario.  De esta manera, Luna destaca la interpretación de la actriz.  Además del video de Victoria Santa Cruz, la directora también incorpora diversas imágenes de isi bhakhomen en la pantalla dando a la propuesta el carácter de auto ficción.  Luna alcanza la excelencia a partir de lo simple.

Yohanna Florentino hace un trabajo de gran factura.  Durante hora y media está en escena generando una energía que no decae.  Crea una interpretación en la que cada frase, cada gesto sale con fuerza y precisión y ejecuta las transiciones sin esfuerzo.

Mami es un trabajo que muestra, de una manera particular, aspectos de una realidad próxima a nosotros pero que no vemos.  

Nueva York: Cimientos 2025, sesión 3, Teatro IATI

 La programación de Cimientos, encuentro de dramaturgia alternativa y que, como afirma la directora Leyma López, da “voz a las voces” realizó su tercera actividad el sábado 21 de junio.  De esta tanda comentamos a continuación Ikiñani, de la autora boliviana Katherine Bustillos.

Ikiñani es una obra que explora la hibridez: es dramaturgia poética o poesía dramatizada en la que el ritmo es fundamental.  La historia gira en torno a una mujer que progresivamente descubre y asume su identidad.  En el proceso, el cabello tiene un papel primordial: es una marca de género en el contexto del personaje: pelo largo que duele cuando es cortado.  Como dato al margen, la obra guarda cierta relación con la pieza Lágrimas negras: tribulaciones de una negrita acomplejá, de la puertorriqueña Eva Cristina Vásquez en la que para una mujer afro-caribeña el cabello tiene determinadas funciones: para la santería es sagrado, para el canon de la femineidad debe ser abundante y en términos raciales es mejor que sea lacio. 

Volviendo a la propuesta de Bustillos, el cabello es centro de dolor y placer; en la pieza, dos cabelleras sirven para ocultarse y compartir afectos, para salvarse física y emocionalmente, para descubrir la identidad en una sociedad que demarca estrictamente las características de género. 

Si Julio Cortázar brinda las minuciosas “Instrucciones para subir una escalera”, la mujer de Ikiñani que vive en un cerro paceño ofrece instrucciones para caer de las escaleras, consejos útiles por la posible irregularidad de los escalones de la ciudad boliviana y de otras ciudades en donde las poblaciones periféricas se asientan en los cerros.  El acto de caer es parte del proceso de crecimiento: el sujeto se levanta para seguir adelante.

Presentar Ikiñani en esta muestra permite al espectador estar frente a la lectura dramatizada de una propuesta que emerge de un contexto diferente y tradicional respecto a temáticas LGTBQ+.

La directora Leyma López comenta que, para la realización de la lectura, a pesar de que el texto está en el formato de unipersonal, sentía la presencia de tres voces lo que comentó a la autora.  Por ello, la lectura de Ikiñani es realizada por tres actrices: Diana Pou, Solange Rodríguez y Adriana Sananes; voces que se expresan a veces individual y otras colectivamente como un coro. 

Respecto al espacio, López utiliza como telón de fondo la imagen desarrollada como material gráfico de la muestra: una mujer vista desde atrás con una larga trenza. Además la directora coloca a las actrices en diagonal de derecha a izquierda brindando equilibrio a la escena.  

Ikiñani ofrece una lectura al espectador de una realidad mirada desde la alteridad; esa mirada resuena en otros contextos al ser parte del proceso identitario.  La relación entre el texto, la dirección y las actuaciones hacen de ésta una propuesta atractiva por su plasticidad y por su temática.

 

Teatro IATI: 64 Este de la Calle 4, Nueva York.  

Nueva York: Cimientos 2025, sesión 2, Teatro IATI

Así hablan los huesos

El 20 de junio de 2025 se realizó la segunda entrega de Cimientos, programa de Teatro IATI dedicado a promover dramaturgos emergentes y consagrados que proponen visiones alternas. Dos piezas formaron parte de esa sesión: A valley of poppies, del dramaturgo griego Dimitris Alexiou, dirigida por Claudia Wiest, y Así hablan los huesos, del chileno Raúl Riquelme Hernández y dirigida por Gerardo Gudiño.  Los hilos conectores entre las obras son dos dramas sociales: las persecuciones y los desaparecidos.

A Valley of poppies

Persecuciones.

A valley of poppies, leída en inglés, se desarrolla en Ucrania Occidental en 1953.  Malousa, quien vive en el campo, mantiene oculto en el sótano de su casa, desde los tiempos de la guerra, al judío Danil.  Durante ese tiempo la mujer le da información no necesariamente verdadera a Danil para que no la abandone y así no vivir en soledad.  El día del cumpleaños de Danil, el comisario Samuel -y su antagonista ideológico- va a la casa de Malousa para investigar si un extraño al régimen vive allí.

Rasgo relevante del texto de Alexiou es la descripción de las estrategias persecutorias, común en diversos estados.  No es extraño que los grupos hegemónicos totalitarios busquen anular a los más débiles sean gitanos, judíos o gays entre muchos  perseguidos durante la Segunda Guerra Mundial.  En 2025 son conocidas las historias de países que quieren apoderarse de otros territorios y para lograrlo llegan al genocidio.  Parece que en tiempos neoliberales la tendencia sigue con la misma fuerza que en los años cincuenta del siglo pasado.

El tiempo de la pieza es 1953.  Los personajes tienden a evocar hechos y experiencias por lo que el pretérito es constante y crea un elemento narrativo denso, de ritmo lento.  Otro aspecto para revisar es el momento en que se descubre el primer secreto.  No hay señas previas para que el espectador acepte su verosimilitud.

Los trabajos actorales de Alex Correira (Danil), Nadia Sepsenwol (Malousa) y Jack Innerst (Samuel), así como las acotaciones en la voz de Luisa Galati, brindan matices de veracidad a sus roles.

Así hablan los huesos

Desaparecidos.

Así hablan los huesos es un texto lúdico, poroso, performático, sin linealidad temporal.  La pieza se concibe en fragmentos por lo que sucede en el presente escénico.  Un detective investiga el destino de las osamentas de los desaparecidos durante la dictadura de Augusto Pinochet en Chile (1973-1990), mencionando en especial  la de Vicente Rojo.  El detective habla con un militar retirado y con la hermana de Rojo para lograr su objetivo. Por otro lado, hay un cráneo partido en tres partes que habla con el público par dar a conocer a los vivos sus reflexiones y “vivencias” como muerto sepultado primero en la tierra, luego en el mar y actualmente fragmentado.

El tema, uno de los más brutales y dolorosos ocurrido en distintos lugares de América Latina es tratado en tonos de humor y absurdo por Riquelme Hernández: humor como bálsamo a tanta barbarie y absurdo por la solución de destruir al adversario.  El texto tiene un enfoque más orgánico que testimonial o informativo: muestra retazos de la historia que van más allá de la reclusión y de los desaparecidos para incorporar familiares, amigos y torturadores de las víctimas, así como las consecuencias del vacío que dejaron. 

Una lectura dramática puede llegar a ser una actividad altamente compleja.  Es el caso de Así hablan los huesos por el carácter poroso y lúdico señalado anteriormente. La propuesta dirigida por Gerardo Gudiño complementa el discurso: propone una organización espacial simétrica, con sillas blancas, vestuario blanco, negro y gris.  

Orgánico también es el trabajo actoral; el elenco sale con energía para llevar a los espectadores a la realidad de los huesos extraviados décadas atrás y cuya ausencia sigue doliendo.  Sandor Juan, como el detective, entra con la premura y fuerza en la búsqueda de los huesos; Braulio Basilio interpreta el ente que representa a los condenados y describe la vida de las osamentas; Adriana Sananes, como La mujer que riega, es veladora de difuntos, la que conoce los hechos y que no los revela como tampoco revela el chiste malo en la entrevista; Caridad del Valle realiza varios personajes como el de la productora que quiere una entrevista visualmente impecable y cuya frustración la transmite a través de gestos; Mario Mattei crea un militar partícipe en las desapariciones con su prepotencia, pero también con señas de culpa, y al entrevistador que desconoce las diversas respuestas que un ser humano puede dar ante lo absurdo. 

Por estos rasgos, Así hablan los huesos es un trabajo ambicioso como texto y como propuesta de lectura dramatizada.

Teatro IATI: 64 Este de la Calle 4, Nueva York.