Teatro Círculo presenta un Cervantes virtual del 8 de octubre al 1 de noviembre, 2020

Fotografía: Israel Franco-Müller.

Fotografía: Israel Franco-Müller.

En los tiempos en que el Covid-19 ha modificado nuestra rutina, Teatro Círculo trae una versión especial de Entremeses de Cervantes del 8 de octubre al 1 de noviembre, 2020.

 El Covid-19 ha alterado el diario vivir.  Espectáculos y obras de teatro han sido afectados limitando las alternativas de entretenimiento de las que dispone nuestra comunidad.  Consciente del bienestar de los espectadores y de la necesidad de ofrecer opciones, Teatro Círculo presenta por primera vez en formato stream una de las producciones que más premios y reconocimientos ha ganado en el teatro latino: Entremeses de Cervantes, del 8 de octubre al 1 de noviembre.

José Cheo Oliveras, director artístico de la agrupación apunta que: “En estos tiempos del Covid el público del teatro latino de la ciudad de Nueva York debe saber que no tiene que sentirse aislado ni privado de los ofrecimientos culturales de esta gran ciudad.  La pandemia no ha parado nuestro quehacer, simplemente nos ha dado la oportunidad de aprender a usar otros foros y plataformas desde los cuales seguimos haciendo comunidad.  Cervantes Virtual es una oportunidad de disfrutar de uno de nuestros más exitosos espectáculos desde la seguridad del hogar y a un precio muy reducido.”

 Entremeses virtuales

 Miguel de Cervantes con sus Entremeses creó para la escena personajes y situaciones que trascienden tiempo y espacio por su comicidad y vigencia.  El espectáculo Entremeses de Cervantes se compone de tres piezas breves: El juez de los divorcios donde un magistrado trata los más insólitos casos de separación; en El viejo celoso, un anciano trata de controlar el ímpetu sexual de su joven y traviesa esposa y en Los habladores, Sarmiento lleva a su casa a Roldán, empedernido hablador, para curar a su esposa quien sufre del mismo mal.

El equipo técnico y artístico de Teatro Círculo presenta una versión en formato stream.  En esta ocasión, los espectadores tienen la oportunidad de apreciar la estética de la escenografía y los trajes, así como el excelente trabajo actoral y vocal de los intérpretes sin tener que salir de sus casas.

Entremeses de Cervantes

Elenco: Jerry Soto, José Cheo Oliveras, Eva Cristina Vásquez, Juan Luis Acevedo, Adriana Sananes, Jessica Florí, Fernando Gazzaniga, Juan Villarreal.  Director musical: Pablo Zinger. Dirección general: José Cheo Oliveras.  Diseño de escenografía, vestuario e iluminación: Israel Franco-Müller. Fotografía: Israel Franco-Müller. Videografía: Pablo Zinger  

Del 8 de octubre al 1 de noviembre 2020. 

Funciones:

Jueves, Viernes y Sábados a las 8 PM y Sábados y Domingos a las 3 PM

Admisión: $10.

En español con subtítulos en inglés.

Boletos en: https://entremesesdecervantes.eventcombo.com

Información: Teatro Círculo (212) 505-1808 / www.teatrocirculo.org

Este programa es posible, en parte, gracias al auspicio de NYC Department of Cultural Affairs, Hispanic Federation, The Howard Gilman Foundation y The New York Community Trust.

New York Butoh Institute presents Butoh: Cradling Empty Space A Nonfiction Book Written by Vangeline Virtual Book Launch October 22, 2020

New York Butoh Institute presents the virtual book launch of Butoh: Cradling Empty Space, a nonfiction book written by Vangeline, on October 22, 2020 at 7:30pm ET, as part of the New York Butoh Institute Festival. Butoh: Cradling Empty Space explores butoh through a scientific lens, challenging the current gender bias and shedding light onto this mysterious and often misunderstood art form. Tickets are $5 and include an entry to win a copy of the book, and can be purchased at www.vangeline.com/online-tickets/aur5r9r43bteuzm1bbnztfjtzx45sn. 

During the virtual launch, hear from Vangeline and special guests Alice Baldock, Oxford University, Giada Matteini, NYU Tisch School of The Arts, Neuroscientist

Marieke van Vugt, University of Groningen, Dr. Judith Revers, author of The Art(therap)ist is Present, and Carter Edwards, Program Director, Mount Tremper Arts. Book giveaway winners will also be announced during the event. 

"Butoh: Cradling Empty Space

is a handbook for the butoh practitioner, the (art) historian, the dance critic, and the curious reader. Encompassing, and reconciling, problems of movement, gender, race, and universality, Cradling Empty Space guides the reader through the many possibilities of butoh."

- Alice Baldock | Faculty of History - University of Oxford

In Butoh: Cradling Empty Space, author Vangeline: 

* Makes butoh accessible to Western audiences and demystifies the art form.

* Investigates butoh's unique contributions to the field of dance and theater.

* Offers new and exclusive information on the subject of butoh's history.

* Questions butoh's patriarchal legacy; revisits the subject of butoh's female torchbearers and their often forgotten contributions.

* Researches the scope of teaching practices, with an emphasis on the commonality between different butoh methods.

*Allows us to think about brain function and butoh in a bracing new light.

* Includes recent findings from the fields of psychology, cross-cultural psychology and trauma research as they apply to butoh pedagogy today.

* Offers practical advice for students and aspiring teachers, with a detailed analysis of potential challenges in the field.

* Discusses the subject of international butoh.

About Vangeline

Vangeline is a teacher, dancer, and choreographer specializing in the Japanese art form Butoh. She is the artistic director of the Vangeline Theater (New York), a dance company firmly rooted in the tradition of Japanese butoh while carrying it into the 21st century, and the founder of the New York Butoh Institute. She is a 2018 NYFA/NYSCA Fellow in Choreography. Vangeline has taught and performed in Japan, Finland, Chile, Hong Kong, the U.K, Denmark, Germany, France, the U. S, and Taiwan. She is the winner of the 2015 Gibney Dance's Beth Silverman-Yam Social Action Award and the winner of the 2019 Janet Arnold Award from the Society of Antiquaries of London. She is also the founder of the award-winning Dream a Dream Project, a dance program reaching out to the incarcerated population in New York since 2006. She is a member of the International Association of Dance Medicine & Science, and the author of the nonfiction book Butoh: Cradling Empty Space.

About the Vangeline Theater/New York Butoh Institute

Vangeline Theater/ New York Butoh Institute aims to preserve the legacy and integrity of Japanese Butoh while carrying the art form well into the future. The unique art of Butoh originated in post-World War II Japan as a reaction to the loss of identity caused by the westernization of Japanese culture, as well as a realization that ancient Japanese performing traditions no longer spoke to a contemporary audience. The Vangeline Theater is home to the New York Butoh Institute, dedicated to the advancement of Butoh in the 21st century. 

The New York Butoh Institute Festival was made possible by public funds from the New York City Department of Cultural Affairs in partnership with the City Council.

Dance/NYC Announces Recipients of Second Round Coronavirus Dance Relief Fund for Dance Making Organizations

The dance service organization Dance/NYC is pleased to announce the 56 recipients of the second iteration of its Coronavirus Dance Relief Fund for Dance Making Organizations and Groups.

"We are proud to have facilitated support for so many dance making organizations and groups across two rounds of the relief fund. The program was created to help to alleviate immediate pressures due to COVID-19, prioritizing those most impacted by white supremacy and systemic oppression. While we acknowledge there is still work to be done in actualizing equitable grantmaking practices across the sector, we are so proud to be contributing to those efforts," said Alejandra Duque Cifuentes, executive director of Dance/NYC. "We are particularly excited to include dance making organizations with budgets under $25,000 for the first time in one of our regranting programs. We have long recognized, and named, that dance makers with operating budgets below $25,000 also need support, so we are enthused to provide resources to this segment of the field with many thanks to our funders."

The recipients of the second round of the Coronavirus Dance Relief Fund for Dance Making Organizations, which will each receive one-time awards of $2,500-$5,000, are:

Ajna Dance Company (fiscally sponsored by Pentacle)

Alison Cook Beatty Dance

ALMA NYC

Amanda Selwyn Dance Theatre

Angela's Pulse (fiscally sponsored by Bronx Academy of Arts and Dance [BAAD!])

Antonio Ramos and the gang bangers (fiscally sponsored by Bronx Academy of Arts and Dance [BAAD!])

Ariel Rivka Dance

Art Of Legohn, LLC (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

Artichoke Dance Company

Beth Gill (fiscally sponsored by The Foundation for Independent Artists, Inc.)

Company SBB (fiscally sponsored by The Foundation for Independent Artists, Inc.)

Contemporary Ballet Theatre/ CBT

Coopdanza, Inc/USA

Dance Visions NY

Dancing Crane Georgian Cultural Center

Diversity in Arts and Nations for Cultural Education, Inc.

DNA (fiscally sponsored by Brooklyn Arts Council)

El Mundo del Flamenco DBA Arts Flamenco

Elizabeth Burr Dance (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

Ephrat Asherie Dance (fiscally sponsored by The Foundation for Independent Artists, Inc.)

Eva Dean Dance

Gamelan Dharma Swara

Guilty Pleasures Cabaret (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

HUMA/Arts On Site NYC (fiscally sponsored by Arts On Site NYC)

J CHEN PROJECT, Inc.

Jon Lehrer Dance Company

Kathy Westwater (fiscally sponsored by New York Live Arts)

KowTeff School of African Dance

Leonardo Suarez Paz's PIAZZOLLA 100 (fiscally sponsored by New York Foundation for the Arts)

Lori Belilove & The Isadora Duncan Dance Company

Mari Meade Dance Collective/MMDC (fiscally sponsored by The Field)

Maureen Fleming Company

Mazarte Dance Company

MBDance (fiscally sponsored by Bronx Academy of Arts and Dance [BAAD!])

MeenMoves/Sameena Mitta (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

Michele Brangwen Dance Ensemble

MICHIYAYA Dance 

Movement Headquarters Ballet Company (fiscally sponsored by New York Live Arts)

Music From The Sole (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

Netta Yerushalmy (fiscally sponsored by Los Angeles Performance Practice)

Oyu Oro Afro Cuban Experimental Dance Ensemble (fiscally sponsored by the Center for Traditional Music and Dance)

Peridance Contemporary Dance Company

Pioneers Go East Collective, Inc.

Rachel Thorne Germond Performance Collage

Renegade Performance Group, LLC (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

RudduR Dance (fiscally sponsored by Miami Dance Futures)

Sachiyo Ito and Company, Inc.

Salvatore LaRussa Dance Theatre

sleepdance (fiscally sponsored by The Field)

Surati for Performing Arts

Sydnie L. Mosley Dances (fiscally sponsored by Fractured Atlas)

The Equus Projects

the feath3r theory

The Gloria Eve Performing Arts Foundation, Inc.

Torkomada, Inc.

WaxFactory

 

The 56 grantees include representatives from seven (7) counties in the metropolitan New York City area: The Bronx (2), Hudson (3), Kings (13), Nassau (2), New York (30), Queens (5), and Richmond (1). Grantees are majority African, Latina/o/x, Asian, Arab, and Native American (ALAANA)-led (33 of 56 or 59%), and include forty-three (43 or 77%) companies with women-identifying or gender nonconforming/non-binary/genderqueer leadership, three (3 or 5%) with disabled leadership, and twenty (20 or 36%) with immigrant leadership. There are twenty-four (24 or 43%) fiscally sponsored dance projects among the grantees.

The 56 grantees were selected by a review panel of representatives from the dance and grantmaking fields. A pool of over 100 metropolitan New York City area dance groups submitted applications in response to an open call, which included applications submitted during the first round of the Fund that had not been selected for funding and thus were automatically eligible for consideration in this iteration, provided they remained eligible under the new budget threshold. Key evaluation criteria included: Organizations who articulate a clear need for financial reimbursement in order to withstand mandated closures; and Organizations artistically led or otherwise creating work by ALAANA and/or women-identifying and/or disabled and/or immigrant artists. Additional information on grant requirements and eligibility can be found on our website at Dance.NYC. Dance/NYC worked to ensure that every aspect of program development, communications, application intake and review, and panel review aligned with Dance/NYC's values of justice, equity, and inclusion and that the organization remained accountable to its intended beneficiaries.

Made possible by the generous support of a consortium of philanthropic partners, the purpose of the funding initiative is to mitigate the growing impact of the COVID-19 coronavirus, particularly financial losses incurred due to the spread of the COVID-19 coronavirus and the social restriction measures implemented to contain it. The Fund prioritizes supporting communities most impacted by COVID-19 including ALAANA, disabled, immigrant, and women-identifying artists, as well as those at high risk including elderly and immunosuppressed artists, as identified by Dance/NYC's Coronavirus Impact Survey. As of May 17th, individual dance makers reported a cumulative loss of at least $4.2 million and organizations, projects, and groups indicated losses that exceed $22 million. These losses will deepen as the timeline of the crisis extends. Indeed, segmentation analysis by identity category and location show that the crisis is disproportionately impacting people who identify as genderqueer/nonbinary, older dance workers, and immigrant dance workers. Specifically, Gen X dance workers estimate income loss $2,814 higher than Millennial workers, and immigrant dance workers report having lost 21% of their total income as compared to 17% for those born in the US.

About Dance/NYC

Dance/NYC's mission is to promote the knowledge, appreciation, practice, and performance of dance in the metropolitan New York City area. It embeds values of justice, equity, and inclusion into all aspects of the organization. It works in alliance with Dance/USA, the national service organization for professional dance.

Instagram @dance.nycTwitter @DanceNYCFacebook @DanceNYCorg

Visit Dance.NYC for details on Dance/NYC's Coronavirus Dance Relief Fund.

Images of the Coronavirus Dance Relief Fund round two grantees are available via Dropbox.

 

La serie web El avión The airplane, de The Moran Group y Teatro SEA desde el 15 de septiembre 2020

The MORÁN GROUP y TEATRO SEA

presentan: 

EL AVIÓN THE AIRPLANE, la nueva serie web y álbum musical bilingüe que celebra a niñas y niños inmigrantes y refugiados ✈️

Como parte de la celebración nacional del Mes de la Herencia Hispana, The MORÁN Group y el galardonado teatro latino, Teatro SEA, anuncian el lanzamiento de EL AVIÓN THE AIRPLANE, una nueva serie web y producción musical que celebra a niñas y niños migrantes, hecha por latinos para latinos.

EL AVIÓN THE AIRPLANE es una serie web y una producción musical en español y en inglés. Desde el 15 de septiembre de 2020 se podrán acceder los episodios en el nuevo canal de YouTube SEA Kids Network y la música del disco se podrá adquirir en Spotify, Apple Music, Pandora, Amazon Music y en más de 40 plataformas de distribución musical a través del mundo.

La tripulación de esta nave la integran monstruos y humanos de distintos acentos y culturas, que cantan y bailan con su banda musical. Ellos, que comparten un mismo viaje siendo distintos, nos llevarán a lugares fantásticos donde se afianzarán valores de comprensión y convivencia. Para trabajar y divertirse en equipo, será necesario que monstruos y humanos se entiendan, respeten y aprecien sus diferencias culturales.

EL AVIÓN THE AIRPLANE celebra a todos, pero en especial a las niñas y niños migrantes y refugiados. “Ahora más que nunca, nuestras niñas y niños migrantes y refugiados necesitan escuchar y saber que también son importantes y especiales. Son seres que a muy temprana edad han tenido que lidiar con las dificultades que trae consigo migrar: dejar todo atrás, lo conocido por lo desconocido, recomenzar en una nueva cultura, con costumbres e idioma distinto. Ese proceso puede ser doloroso cuando se enfrentan al rechazo, al prejuicio, al racismo y a la xenofobia que impera en nuestra sociedad actual”, explica el doctor Manuel A. Morán, fundador del Teatro SEA, creador y piloto de EL AVIÓN THE AIRPLANE.

“Queremos que los niños sepan que son valiosos e importantes, fortalecer su autoestima, que es a la vez fortalecer nuestras comunidades. Queremos llevarles un rayo de luz y esperanza en una forma entretenida, divertida y transformadora”, dice Morán, quien lleva más de 30 años creando contenido para el público infantil.

EL AVIÓN THE AIRPLANE despega en dos formatos:

●      ▶️ La serie web EL AVIÓN THE AIRPLANE incluye episodios de corta duración donde podremos ver la divertida interacción entre humanos y monstruos. La primera temporada será transmitida a través del nuevo canal de Youtube SEA Kids Network a partir del 15 de septiembre de 2020, con un episodio nuevo cada semana.

Participa un elenco internacional de artistas: Jeannie Sol (USA-Puerto Rico), Florencia Cuenca (México), Iván Alexander Bautista (Ecuador), Ana Campos (Perú), Jeffrey Hernández (Puerto Rico), Samuel Garnica (Venezuela/Colombia), Victoria Raigiodsky (Argentina), y el propio Manuel Morán (Puerto Rico), en la figura estelar de El Capitán.

A ellos se unirán los monstruos: Rosi, Grumpi, Cani y Lupo, coloridos títeres creados por el titiritero y artista José A. López (Puerto Rico). López es el creador de muchos personajes en la televisión puertorriqueña y trabajó en Teatro SEA por casi tres décadas.

Los títeres son animados por Luis Villafañe (Puerto Rico); el diseño de arte y fotografía es de George Riverón (Cuba); las animaciones, de Elizabeth Rodríguez (Puerto Rico); el diseño de vestuario e imagen es de Ingrid Hamster (Holanda/Canadá); la dirección de la serie estuvo a cargo de Kristian Otero (Puerto Rico); y la producción musical y masterización del álbum son del doctor Manuel Calzada.

●      🎶 “A VOLAR LET’S FLY”: es una producción musical infantil con canciones en español, inglés y bilingües. Abarca una variada gama de géneros musicales, desde el jazz contemporáneo a la balada rock, pasando por ritmos tropicales latinos como salsa, cumbia, merengue y reguetón, con ciertos toques de tango y hasta hip-hop.

“Es un estilo Latino variado y divertido, pero a la vez muy especial con un mensaje de aliento y esperanza”, dice Manuel Calzada, productor musical de EL AVIÓN THE AIRPLANE, junto a grandes músicos.

Las canciones de A VOLAR LET’S FLY enseñan a los niños cómo combatir el temor (¡No al miedo! y Monstruos), a no dejar de soñar y alcanzar sus metas (Sueña/Dream on y Quiero ser un superhéroe/I want to be a superhero), a usar la imaginación y descubrir nuevos mundos en los libros (A volar, Let’s fly y Ponte a leer), y a bailar y disfrutar nuestra variedad y riqueza musical (Baila, Pollito, baila).

 

Taller de dramaturgia a distancia: identidad, memoria y alteridad

 

Uno de los talleres que formaron el conjunto de Talleres de Dramaturgia a Distancia Rodolfo Santana, coordinado por el autor de esta nota, se caracterizó por la mayoritaria presencia femenina, las diversas reflexiones sobre su realidad y por su carácter comunitario para lograr el objetivo común: escribir teatro.

Pablo García Gámez

           La situación extraordinaria a la que nos llevó el Covid-19, impactó y continúa impactando el diario vivir.   Siendo el teatro un hecho presencial muchos gestores teatrales tuvieron que inventar estrategias en el camino a un futuro post pandemia.  De desconocer plataformas como Zoom, Instagram o YouTube de un día para otro aprendimos a utilizarlas como medios para la enseñanza, la difusión y el entretenimiento.

            En este lapso marcado por la reclusión, la Compañía Nacional de Teatro de Venezuela, con Carlos Arroyo a la cabeza, diseñó y desarrolló programas de capacitación en diversas áreas de las artes escénicas.  Parte del proyecto contempla la escritura teatral: la CNT lanzó, bajo el nicho de Talleres de Dramaturgia a Distancia Rodolfo Santana, 25 talleres con intención de brindar herramientas para la escritura escénica a 250 participantes.  De los 25 talleres, uno me fue asignado como instructor. 

El taller

            El diseño del taller, en cuanto a pedagogía, es marcado por dos referencias.  Una, La pedagogía del oprimido, de Paulo Freyre, en particular el registro léxico de cada participante para nombrar el contexto con los registros originados en el medio.  Otra, incorpora la práctica de trabajar en colectivo: los participantes apoyan al grupo interviniendo en los procesos de sus compañeros.

            De entrada, se plantea una pregunta: ¿Qué?  Qué escribir apunta hacia lo que el participante quiere expresar, a veces sin tener conciencia de ello.  En el taller el qué tiene prioridad: busca visiones particulares orientándose hacia una escritura orgánica.  Escribir puede ser necesidad y obligación de interpretar la realidad, en nuestro caso una realidad a veces apabullante.   

            Los participantes se enfrentaron a textos de otros autores: Maderamen, de Javier Rondón; Mujermente hablando, de Mariozzi Carmona; Radiografía de puta y poeta, del dramaturgo granadino Antonio César Morón; Yoleros, del dominicano Álex Vásquez Escaño; y Mi última noche con Rubén Blades, de la puertorriqueña Tere Martínez.  Se realizaron tres discusiones: una con Antonio César Morón y la actriz Farah Hamed, otra con el autor-productor Álex Vásquez Escaño y una charla con el actor venezolano César Augusto Cova.  Las conversaciones contribuyeron a develar aspectos que el autor enfrenta en la práctica teatral.

            El taller duró doce semanas con una sesión semanal de cuatro horas a través de Zoom.  En él participaron Rosa María Rappa, Dora Lucena, Annie Ferrer, María José Quintana, Andrea Levada y el conocido teatrero Armando Holzer; el hecho de que la mayoría hayan sido mujeres se traduce en optimismo de ver representadas nuevas visiones y sensibilidades en el teatro venezolano.  El compromiso e interés de las integrantes marcó el ritmo del taller en el que hubo discusiones, lágrimas, risas y el respeto a la visión de mundo del otro.  En ocasiones, las reuniones fueron complicadas por las fallas del internet mientras que las participantes hacían lo posible para seguir en la reunión.  En términos concretos se alcanzaron dos objetivos: escribir un monólogo e iniciar una pieza de dos o más personajes; en el objetivo de la segunda obra dos participantes decidieron trabajar con piezas que habían desarrollado anteriormente.

El resultado: los monólogos

            En el taller, lo teatral presentó diversas formas y se mostraron temáticas comunes: identidad, memoria y alteridad.  Con frecuencia, las piezas exploran a los personajes y sus circunstancias sin concesiones.  Para Roberta Margarita de Amargo frenesí, de Annie Ferrer, la posibilidad de ser otra, de rehacer su identidad solo se da en otro contexto, de allí la necesidad de huir; el conflicto es que ella se desconoce a sí misma y a la vez inventa cualidades a ese otro lugar.  Dora Lucena presenta a Ramón en Semana 56, monólogo en el que el personaje se debate en salir, especular y morir o quedarse en casa, especular y morir; ante el miedo a la muerte por contagio, Ramón se queda en casa manipulando a los amigos para ganar el dinero que le haga comer; la soledad le lleva a recrear el pasado pre pandemia con su novia y su amante, de comida y mascotas queridas e irreales; la autora da una pincelada queer a Ramón cuando intenta seducir al virus.  La casa sin memoria, de Rosa María Rappa, redimensiona el espacio escénico en su propuesta al incorporar al espectador en un recorrido guiado por el personaje Ella a un espacio tradicionalmente no teatral: una casa-hospital de pacientes abandonados en un sitio en el que el recuerdo se pierde, en el que se confunden los límites entre cordura y desquiciamiento, en el que la advertencia es que visitar y vivir en ese sitio son dos experiencias diferentes, pero liminales. 

            Carta a mami y papi, de Andrea Levada toma como personaje a Leandro, un niño de doce años rodeado de comodidades, pero carente de afecto lo que le hace que sentir en la periferia; Leandro no cuadra en su mundo, no entiende el por qué de los castigos y el rechazo; su confidente es un soldadito de juguete al que cuenta sus vivencias.  Armando Holzer, En un florido pensil retoma la oralidad del pasado y contar desde allí; para Carmen Rivero Sanoja la vida ha sido una cadena de retos hasta llegar a establecer un espacio y una familia.  En su ocaso, las hijas buscan hacer el trueque de sustituir los valores de Carmen transformarlos en efectivo así como borrar su historia a través de la venta de la casa.  Finalmente, María José Quintana en Un largo día desde la mañana presenta un texto en el Andrea Manuela, mujer ansiosa que corre a ningún lado y no termina tarea doméstica alguna; ella, por presión de la esfera pública apoya la violencia colectiva.  A propósito de esta participante, la segunda obra que comenzó a desarrollar en el taller creó una comunidad de colaboradores en Guárico, estado donde reside y en otros lugares como Medellín recibiendo comentarios y apoyo a través de testimoniales de interesados en el tema que ella desarrolla.

            Como en los talleres presenciales, el taller terminó con una lectura abierta de los textos por parte de sus autores, el 19 de agosto de 2020, con la idea de compartir opiniones.  La tecnología extendió los espacios de recepción: la lectura fue seguida en Venezuela, España, Portugal, México y Estados Unidos.

            Ahora la tarea de las ex integrantes del taller es encontrar espacios para compartir con otros autores, organizar lecturas y buscar el camino a la escena.  Los textos lo valen.